Pablo Klee (1879 - 1940)

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Paul Klee (en alemán: [pa\u028a\u032fl \u02c8kle\u02d0]; 18 de diciembre de 1879 \u2013 29 de junio de 1940) fue un artista suizo-alemán. Su estilo altamente individual fue influenciado por movimientos artísticos que incluían el expresionismo, el cubismo y el surrealismo. Klee fue un dibujante natural que experimentó y eventualmente exploró profundamente la teoría del color, escribiendo sobre ella extensamente; sus conferencias Escritos sobre la teoría de la forma y el diseño (Schriften zur Form und Gestaltungslehre), publicados en inglés como los Cuadernos de Paul Klee, se consideran tan importantes para el arte moderno como el Tratado de pintura para el Renacimiento de Leonardo da Vinci.[1][ 2][3] Él y su colega, el pintor ruso Wassily Kandinsky, enseñaron en la escuela de arte, diseño y arquitectura Bauhaus. Sus obras reflejan su humor seco y su perspectiva a veces infantil, sus estados de ánimo y creencias personales, y su musicalidad.

"En primer lugar, el arte de vivir; luego, como mi profesión ideal, la poesía y la filosofía, y como mi verdadera profesión, las artes plásticas; en última instancia, por falta de ingresos, las ilustraciones". \u2014Paul Klee.

Paul Klee nació en Münchenbuchsee, Suiza, como el segundo hijo del profesor de música alemán Hans Wilhelm Klee (1849\u20131940) y la cantante suiza Ida Marie Klee, de soltera Frick (1855\u20131921). Su hermana Mathilde (murió el 6 de diciembre). 1953) nació el 28 de enero de 1876 en Walzenhausen. Su padre vino de Tann y estudió canto, piano, órgano y violín en el Conservatorio de Stuttgart, conociendo allí a su futura esposa Ida Frick. Hans Wilhelm Klee estuvo activo como profesor de música en el Seminario Estatal de Berna en Hofwil, cerca de Berna, hasta 1931. Klee pudo desarrollar sus habilidades musicales gracias a que sus padres lo alentaron e inspiraron a lo largo de su vida.[5] En 1880, su familia se mudó a Berna, donde finalmente, en 1897, después de varios cambios de residencia, se mudaron a su propia casa en el distrito de Kirchenfeld [de].[6] De 1886 a 1890, Klee visitó la escuela primaria y recibió, a la edad de 7 años, clases de violín en la Escuela Municipal de Música. Tenía tanto talento para el violín que, a los 11 años, recibió una invitación para tocar como miembro extraordinario de la Asociación de Música de Berna.[7]

En sus primeros años, siguiendo los deseos de sus padres, Klee se centró en convertirse en músico; pero se decidió por las artes visuales durante su adolescencia, en parte por rebeldía y en parte porque la música moderna carecía de significado para él. Afirmó: "No encontré la idea de dedicarme a la música de manera creativa particularmente atractiva en vista del declive en la historia de los logros musicales".[2019] Como músico, tocaba y se sentía emocionalmente vinculado a las obras tradicionales de la XVIII y XIX, pero como artista anhelaba la libertad de explorar ideas y estilos radicales.[8] A los dieciséis años, los dibujos de paisajes de Klee ya muestran una habilidad considerable.[8]

Alrededor de 1897, Klee comenzó su diario, que mantuvo hasta 1918, y que ha brindado a los estudiosos una valiosa perspectiva de su vida y pensamiento.[10] Durante sus años escolares, dibujaba con avidez en sus libros escolares, en particular dibujando caricaturas, y ya demostraba habilidad con la línea y el volumen.[11] Apenas aprobó sus exámenes finales en el "Gymnasium" de Berna, donde se licenció en Humanidades. Con su característico ingenio seco, escribió: "Después de todo, es bastante difícil lograr el mínimo exacto e implica riesgos".[2019] En su tiempo libre, además de sus profundos intereses en la música y el arte, Klee fue un gran lector de literatura, y más tarde un escritor sobre teoría y estética del arte.[12]

Con el permiso reacio de sus padres, en 1898 Klee comenzó a estudiar arte en la Academia de Bellas Artes de Munich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck. Se destacó en el dibujo, pero parecía carecer de un sentido natural del color. Más tarde recordó: "Durante el tercer invierno incluso me di cuenta de que probablemente nunca aprendería a pintar". [12] Durante estos tiempos de aventura juvenil, Klee pasó mucho tiempo en pubs y tuvo aventuras con mujeres de clase baja y modelos de artistas. Tuvo un hijo ilegítimo en 1900 que murió varias semanas después del nacimiento.[14]

Después de graduarse en Bellas Artes, Klee viajó a Italia desde octubre de 1901 hasta mayo de 1902[15] con su amigo Hermann Haller. Se quedaron en Roma, Florencia y Nápoles, y estudiaron a los maestros pintores de siglos pasados.[14] Exclamó: "El Foro y el Vaticano me han hablado. El humanismo quiere asfixiarme".[16] Respondió a los colores de Italia, pero señaló con tristeza, "que me espera una larga lucha en este campo de la color".[17] Para Klee, el color representaba el optimismo y la nobleza en el arte, y una esperanza de alivio de la naturaleza pesimista que expresaba en sus grotescas y sátiras en blanco y negro.[17] Al regresar a Berna, vivió con sus padres durante varios años y tomó clases de arte ocasionales. Para 1905, estaba desarrollando algunas técnicas experimentales, incluido el dibujo con una aguja en un panel de vidrio ennegrecido, lo que resultó en cincuenta y siete obras, incluido su Retrato de mi padre (1906).[11] En los años 1903\u201305 también completó un ciclo de once aguafuertes en plancha de zinc llamado Invenciones, sus primeras obras expuestas, en las que ilustró varios personajes grotescos.[14][18] Comentó, "aunque estoy bastante satisfecho con mis grabados, no puedo seguir así. No soy un especialista". [2019] Klee todavía dividía su tiempo con la música, tocando el violín en una orquesta y escribiendo. críticas de conciertos y teatro.[19]

Matrimonio y primeros años

Matrimonios

Klee se casó con la pianista bávara Lily Stumpf en 1906 y tuvieron un hijo llamado Felix Paul al año siguiente. Vivían en un suburbio de Munich, y mientras ella daba lecciones de piano y actuaciones ocasionales, él se ocupaba de la casa y se ocupaba de su obra de arte. Su intento de ser ilustrador de una revista fracasó.[20] El trabajo artístico de Klee progresó lentamente durante los siguientes cinco años, en parte por tener que dividir su tiempo con asuntos domésticos y en parte porque trató de encontrar un nuevo enfoque para su arte. En 1910, tuvo su primera exposición individual en Berna, que luego viajó a tres ciudades suizas.

Afiliación al "Blaue Reiter", 1911
En enero de 1911, Alfred Kubin conoció a Klee en Munich y lo animó a ilustrar el Cándido de Voltaire. Sus dibujos resultantes se publicaron más tarde en una versión de 1920 del libro editado por Kurt Wolff. Por esta época, la obra gráfica de Klee aumentó. Su temprana inclinación hacia el absurdo y el sarcasmo fue bien recibida por Kubin, quien se hizo amigo de Klee y se convirtió en uno de sus primeros coleccionistas importantes.[21] Klee conoció, a través de Kubin, al crítico de arte Wilhelm Hausenstein en 1911. Klee fue miembro de la fundación y gerente del sindicato de artistas de Munich Sema ese verano.[22] En otoño conoció a August Macke y Wassily Kandinsky, y en invierno se unió al equipo editorial del almanaque Der Blaue Reiter, fundado por Franz Marc y Kandinsky. Al conocer a Kandinsky, Klee registró: "Llegué a sentir una profunda confianza en él. Es alguien y tiene una mente excepcionalmente hermosa y lúcida". [23] Otros miembros incluyeron a Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. Klee se convirtió en pocos meses en uno de los miembros más importantes e independientes del Blaue Reiter, pero aún no estaba completamente integrado.[24]

La publicación del almanaque se retrasó en beneficio de una exposición. La primera exposición de Blaue Reiter tuvo lugar del 18 de diciembre de 1911 al 1 de enero de 1912 en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser de Múnich. Klee no asistió, pero en la segunda exposición, que tuvo lugar del 12 de febrero al 18 de marzo de 1912 en la Galerie Goltz, se mostraron 17 de sus obras gráficas. El nombre de esta exposición de arte fue Schwarz-Wei, ya que solo se trataba de pintura gráfica.[25] Inicialmente planeado para ser lanzado en 1911, la fecha de lanzamiento del almanaque Der Blau Reiter de Kandinsky y Marc se retrasó en mayo de 1912, incluida la reproducción del dibujo a tinta Steinhauer de Klee. Al mismo tiempo, Kandinsky publicó su historia del arte escribiendo Uber das Geistige in der Kunst.[26]

Participación en exposiciones de arte, 1912/1913
La asociación abrió la mente de Klee a las teorías modernas del color. Sus viajes a París en 1912 también lo expusieron al fermento del cubismo y los ejemplos pioneros de "pintura pura", un término temprano para el arte abstracto. El uso de colores llamativos por parte de Robert Delaunay y Maurice de Vlaminck también lo inspiró.[27] En lugar de copiar a estos artistas, Klee comenzó a trabajar en sus propios experimentos de color en acuarelas pálidas e hizo algunos paisajes primitivos, incluidos In the Quarry (1913) y Houses near the Gravel Pit (1913), usando bloques de color con una superposición limitada.[28] ] Klee reconoció que "me espera una larga lucha en este campo del color" para alcanzar su "lejano objetivo noble". Pronto, descubrió "el estilo que conecta el dibujo y el reino del color".[17]

Viaje a Túnez, 1914
El gran avance artístico de Klee se produjo en 1914 cuando visitó brevemente Túnez con August Macke y Louis Moilliet y quedó impresionado por la calidad de la luz allí. Escribió: "El color se ha apoderado de mí; ya no tengo que perseguirlo, sé que me tiene atrapado para siempre... El color y yo somos uno. Soy un pintor". [29] Con eso realización, la fidelidad a la naturaleza se desvaneció en importancia. En cambio, Klee comenzó a profundizar en el "romanticismo frío de la abstracción".[29] Al obtener un segundo vocabulario artístico, Klee agregó color a sus habilidades en el dibujo y en muchas obras los combinó con éxito, como lo hizo en una serie que llamó "pinturas operísticas". Uno de los ejemplos más literales de esta nueva síntesis es The Bavarian Don Giovanni (30).[31]

Después de regresar a casa, Klee pintó su primer abstracto puro, Al estilo de Kairouan (1914), compuesto por rectángulos de colores y algunos círculos.[33] El rectángulo de color se convirtió en su bloque de construcción básico, lo que algunos estudiosos asocian con una nota musical, que Klee combinó con otros bloques de colores para crear una armonía de colores análoga a una composición musical. Su selección de una paleta de colores particular emula una clave musical. A veces usa pares de colores complementarios y otras veces colores "disonantes", reflejando nuevamente su conexión con la musicalidad.[34]

Carrera militar

Paul Klee como soldado, 1916
Unas semanas después, comenzó la Primera Guerra Mundial. Al principio, Klee se mostró algo distanciado de ella, como escribió irónicamente: "Hace mucho tiempo que tengo esta guerra en mí. Es por eso que, internamente, no es de mi incumbencia". [35] Klee fue reclutado como Landsturmsoldat (soldado). de las fuerzas de reserva en Prusia o Alemania Imperial) el 5 de marzo de 1916. Las muertes de sus amigos August Macke y Franz Marc en batalla comenzaron a afectarlo. Expresando su angustia, creó varias litografías con pluma y tinta sobre temas de guerra, incluida Death for the Idea (1915).[36] Tras finalizar el curso de formación militar, que comenzó el 11 de marzo de 1916, fue destinado como soldado a la retaguardia del frente. Klee se trasladó el 20 de agosto a la empresa de mantenimiento de aeronaves [b] en Oberschleissheim, ejecutando trabajos manuales calificados, como restaurar el camuflaje de aeronaves y acompañar los transportes de aeronaves. El 17 de enero de 1917, fue transferido a la Real Escuela de Vuelo de Baviera en Gersthofen (que 54 años más tarde se convirtió en la estación de campo de USASA en Augsburgo) para trabajar como empleado del tesorero hasta el final de la guerra. Esto le permitió quedarse en una pequeña habitación fuera del cuartel y seguir pintando.[37][38]

Continuó pintando durante toda la guerra y logró exponer en varias muestras. En 1917, el trabajo de Klee se vendía bien y los críticos de arte lo aclamaron como el mejor de los nuevos artistas alemanes.[39] Su Ab ovo (1917) destaca especialmente por su sofisticada técnica. Emplea acuarela sobre gasa y papel con un fondo de tiza, lo que produce una rica textura de patrones triangulares, circulares y de media luna.[29] Demostrando su rango de exploración, mezclando color y línea, su Advertencia de los barcos (1918) es un dibujo coloreado lleno de imágenes simbólicas en un campo de color suprimido.

carrera madura

En 1919, Klee solicitó un puesto de profesor en la Academia de Arte de Stuttgart.[41] Este intento fracasó, pero tuvo un gran éxito al obtener un contrato de tres años (con un ingreso anual mínimo) con el comerciante Hans Goltz, cuya influyente galería le dio a Klee una gran exposición y cierto éxito comercial. También fue destacable una retrospectiva de más de 300 obras de 1920.[42]

Klee enseñó en la Bauhaus desde enero de 1921 hasta abril de 1931.[43] Fue maestro de "Forma" en los talleres de encuadernación, vidrieras y pintura mural y dispuso de dos talleres.[44] En 1922, Kandinsky se unió al personal y reanudó su amistad con Klee. Más tarde ese año se llevó a cabo la primera exposición y festival de la Bauhaus, para la cual Klee creó varios de los materiales publicitarios.[45] Klee agradeció que hubiera muchas teorías y opiniones en conflicto dentro de la Bauhaus: "También apruebo que estas fuerzas compitan entre sí si el resultado es el logro".[46]

Klee también fue miembro de Die Blaue Vier (Los cuatro azules), con Kandinsky, Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky; formados en 1923, dieron conferencias y expusieron juntos en los Estados Unidos en 1925. Ese mismo año, Klee tuvo sus primeras exhibiciones en París, y se convirtió en un éxito entre los surrealistas franceses. [47] Klee visitó Egipto en 1928, lo que le impresionó menos que Túnez. En 1929, se publicó la primera gran monografía sobre el trabajo de Klee, escrita por Will Grohmann. [48]

Klee también enseñó en la Academia de Düsseldorf de 1931 a 1933, y fue señalado por un periódico nazi: "Entonces ese gran compañero Klee entra en escena, ya famoso como maestro de la Bauhaus en Dessau. Les dice a todos que es un árabe de pura sangre, pero es un típico judío gallego".[49] Su casa fue registrada por la Gestapo y fue despedido de su trabajo.[3][50] Su autorretrato Struck from the List (1933) conmemora la triste ocasión.[49] En 1933\u201334, Klee realizó espectáculos en Londres y París, y finalmente conoció a Pablo Picasso, a quien admiraba mucho.[51] La familia Klee emigró a Suiza a finales de 1933.[51]

Klee estaba en la cima de su producción creativa. Su Ad Parnassum (1932) se considera su obra maestra y el mejor ejemplo de su estilo puntillista; también es una de sus pinturas más grandes y mejor trabajadas. [52] [53] Produjo cerca de 500 obras en 1933 durante su último año en Alemania. [54] Sin embargo, en 1933, Klee comenzó a experimentar los síntomas de lo que fue diagnosticado como esclerodermia después de su muerte. La progresión de su enfermedad fatal, que dificultaba mucho la deglución, se puede seguir a través del arte que creó en sus últimos años. Su producción en 1936 fue de solo 25 imágenes. A finales de la década de 1930, su salud se recuperó un poco y la visita de Kandinsky y Picasso lo animó [55]. Los diseños más simples y más grandes de Klee le permitieron mantener su producción en sus últimos años, y en 1939 creó más de 1,200 obras, un récord en su carrera durante un año. [56] Usó líneas más gruesas y formas principalmente geométricas con menos bloques de color pero más grandes. Sus variadas paletas de colores, algunas con colores brillantes y otras sombrías, tal vez reflejaran sus estados de ánimo alternados de optimismo y pesimismo. [57] En Alemania, en 1937, diecisiete de los cuadros de Klee se incluyeron en una exposición de "Arte degenerado" y 102 de sus obras en colecciones públicas fueron incautadas por los nazis. [58]

Muerte
Klee padeció una enfermedad debilitante, la esclerodermia, hacia el final de su vida, soportando dolores que parecen reflejarse en sus últimas obras de arte. Una de sus últimas pinturas, Muerte y fuego, presenta una calavera en el centro con la palabra alemana para muerte, "Tod", que aparece en la cara. Murió en Muralto, Locarno, Suiza, el 29 de junio de 1940 sin haber obtenido la ciudadanía suiza, a pesar de haber nacido en ese país. Su obra de arte fue considerada demasiado revolucionaria, incluso degenerada, por las autoridades suizas, pero finalmente aceptaron su pedido seis días después de su muerte.[59] Su legado comprende unas 9,000 obras de arte.[17] Las palabras en su lápida, el credo de Klee, colocado allí por su hijo Félix, dicen: "No puedo ser agarrado en el aquí y ahora, porque mi morada está tanto entre los muertos, como entre los aún no nacidos, un poco más cerca del corazón". de la creación de lo habitual, pero aún no lo suficientemente cerca". [60] Fue enterrado en Schosshaldenfriedhof, Berna, Suiza.

Estilo y métodos

Klee se ha asociado de diversas formas con el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el surrealismo y la abstracción, pero sus imágenes son difíciles de clasificar. Generalmente trabajaba aislado de sus compañeros e interpretaba las nuevas tendencias artísticas a su manera. Era inventivo en sus métodos y técnica. Klee trabajó en muchos medios diferentes: pintura al óleo, acuarela, tinta, pastel, aguafuerte y otros. A menudo los combinaba en una sola obra. Usó lona, ​​arpillera, muselina, lino, gasa, cartón, láminas de metal, tela, papel tapiz y papel de periódico.[2014] Klee empleó pintura en aerosol, aplicación con espátula, estampado, vidriado y empaste, y técnicas mixtas como óleo con acuarela, acuarela con pluma y tinta china y óleo con témpera.[61]

Era un dibujante natural y, a través de una larga experimentación, desarrolló un dominio del color y la tonalidad. Muchas de sus obras combinan estas habilidades. Utiliza una gran variedad de paletas de colores, desde casi monocromáticas hasta muy policromáticas. Sus obras a menudo tienen una frágil calidad infantil y suelen ser de pequeña escala. Usó a menudo formas geométricas y composiciones en formato de cuadrícula, así como letras y números, frecuentemente combinados con figuras lúdicas de animales y personas. Algunas obras eran completamente abstractas. Muchas de sus obras y sus títulos reflejan su humor seco y estados de ánimo variados; algunos expresan convicciones políticas. Con frecuencia aluden a la poesía, la música y los sueños y, a veces, incluyen palabras o notación musical. Las obras posteriores se distinguen por símbolos parecidos a jeroglíficos arácnidos. Rainer Maria Rilke escribió sobre Klee en 1921: "Incluso si no me hubieras dicho que toca el violín, habría adivinado que en muchas ocasiones sus dibujos eran transcripciones de música".[2019]

Pamela Kort observó: "Los dibujos de Klee de 1933 presentan al espectador una oportunidad sin igual de vislumbrar un aspecto central de su estética que ha permanecido en gran parte desapercibido: su preocupación de toda la vida por las posibilidades de la parodia y el ingenio. Aquí radica su verdadero significado, particularmente para una audiencia sin saber que el arte de Klee tiene dimensiones políticas".[63]

Entre las pocas obras plásticas se encuentran los títeres de mano realizados entre 1916 y 1925, para su hijo Félix. El artista no los cuenta como un componente de su obra, ni los incluye en su catálogo razonado. Treinta de los títeres conservados se almacenan en el Zentrum Paul Klee, Berna.[64]

Estilo y métodos

Tale la Hoffmann (1921), acuarela, tinta y lápiz sobre papel. 31.1 \u00d7 24.1 cm. En la colección del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York
Klee se ha asociado de diversas formas con el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el surrealismo y la abstracción, pero sus imágenes son difíciles de clasificar. Generalmente trabajaba aislado de sus compañeros e interpretaba las nuevas tendencias artísticas a su manera. Era inventivo en sus métodos y técnica. Klee trabajó en muchos medios diferentes: pintura al óleo, acuarela, tinta, pastel, aguafuerte y otros. A menudo los combinaba en una sola obra. Usó lona, ​​arpillera, muselina, lino, gasa, cartón, láminas de metal, tela, papel tapiz y papel de periódico.[2014] Klee empleó pintura en aerosol, aplicación con espátula, estampado, vidriado y empaste, y técnicas mixtas como óleo con acuarela, acuarela con pluma y tinta china y óleo con témpera.[61]

Era un dibujante natural y, a través de una larga experimentación, desarrolló un dominio del color y la tonalidad. Muchas de sus obras combinan estas habilidades. Utiliza una gran variedad de paletas de colores, desde casi monocromáticas hasta muy policromáticas. Sus obras a menudo tienen una frágil calidad infantil y suelen ser de pequeña escala. Usó a menudo formas geométricas y composiciones en formato de cuadrícula, así como letras y números, frecuentemente combinados con figuras lúdicas de animales y personas. Algunas obras eran completamente abstractas. Muchas de sus obras y sus títulos reflejan su humor seco y estados de ánimo variados; algunos expresan convicciones políticas. Con frecuencia aluden a la poesía, la música y los sueños y, a veces, incluyen palabras o notación musical. Las obras posteriores se distinguen por símbolos parecidos a jeroglíficos arácnidos. Rainer Maria Rilke escribió sobre Klee en 1921: "Incluso si no me hubieras dicho que toca el violín, habría adivinado que en muchas ocasiones sus dibujos eran transcripciones de música".[2019]

Pamela Kort observó: "Los dibujos de Klee de 1933 presentan al espectador una oportunidad sin igual de vislumbrar un aspecto central de su estética que ha permanecido en gran parte desapercibido: su preocupación de toda la vida por las posibilidades de la parodia y el ingenio. Aquí radica su verdadero significado, particularmente para una audiencia sin saber que el arte de Klee tiene dimensiones políticas".[63]

Entre las pocas obras plásticas se encuentran los títeres de mano realizados entre 1916 y 1925, para su hijo Félix. El artista no los cuenta como un componente de su obra, ni los incluye en su catálogo razonado. Treinta de los títeres conservados se almacenan en el Zentrum Paul Klee, Berna.[64]

Proyectos
Obras tempranas
Algunos de los primeros dibujos infantiles conservados de Klee, que su abuela alentó, se incluyeron en su catálogo razonado. Se produjeron un total de 19 aguafuertes durante los años de Berna; diez de ellos fueron realizados entre 1903 y 1905 en el ciclo "Inventionen" (Invenciones),[65] que fueron presentados en junio de 1906 en la "Internationale Kunstausstellung des Vereins bildender Künstler Münchens 'Secession'" (Exposición Internacional de Arte de la Asociación para la Artes Gráficas, Munich, Secession), su primera aparición como pintor en el público.[66] Klee había eliminado la tercera invención, Pessimistische Allegorie des Gebirges (Alegoría pesimista de la montaña), en febrero de 1906 de su ciclo.[67] Los grabados satíricos, por ejemplo Jungfrau im Baum/Jungfrau (träumend) (Virgen en el árbol/Virgen (soñando)) de 1903 y Greiser Phoenix (Aged Phoenix) de 1905, fueron clasificados por Klee como "puestos de avanzada surrealistas". Jungfrau im Baum se relaciona con el motivo Le cattive madri (1894) de Giovanni Segantini. La imagen fue influenciada por poesías líricas grotescas de Alfred Jarry, Max Jacob y Christian Morgenstern.[68] Presenta un pesimismo cultural, que se puede encontrar a principios del siglo XX en obras de simbolistas. El Invento Nro. 20, el grabado de 6 Zwei Männer, einander in höherer Stellung vermutend (Dos hombres, suponiendo que el otro está en una posición más alta), representa a dos hombres desnudos, presumiblemente el emperador Guillermo II y Francisco José I de Austria, reconocibles por su peinado y barba. . Como sus ropas e insignias estaban despojadas, "ambos no tienen idea de si su saludo convencional [\u1903] está en orden o no. Como asumen que su contraparte podría haber tenido una calificación más alta", se inclinan y raspan.

Klee comenzó a introducir una nueva técnica en 1905: rayar un panel de vidrio ennegrecido con una aguja. Así creó unos 57 cuadros Verre églomisé, entre los que destacan Gartenszene (Escena en un jardín) de 1905 y Porträt des Vaters (Retrato de un padre) de 1906, con los que trató de combinar la pintura y el rayado[70]. Los primeros trabajos solitarios de Klee terminaron en 1911, el año en que conoció y se inspiró en el artista gráfico Alfred Kubin, y se asoció con los artistas del Blaue Reiter.[71]

Período místico-abstracto, 1914\u20131919
Durante su viaje educativo de doce días a Túnez en abril de 1914, Klee produjo con Macke y Moilliet acuarelas, que implementan el fuerte estímulo de luz y color del campo del norte de África a la manera de los conceptos de forma cubista de Paul Cézanne y Robert Delaunays. El objetivo no era imitar a la naturaleza, sino crear composiciones análogas al principio formativo de la naturaleza, como en las obras In den Häusern von Saint-Germain (En las casas de Saint-Germain) y Straencafé (Streetcafé). Klee transmitió el paisaje en una cuadrícula, de modo que se disuelve en una armonía de colores. También creó obras abstractas en ese período, como Abstract y Farbige Kreise durch Farbbänder verbunden (Círculos de colores atados a través de cintas entintadas).[72] Nunca abandonó el objeto; una segregación permanente nunca tuvo lugar. Le tomó más de diez años que Klee trabajó en experimentos y análisis del color, lo que resultó en un trabajo artificial independiente, en el que sus ideas de diseño se basaron en el colorido mundo oriental.

Föhn im Marc'schen Garten (Foehn en el jardín de Marc) se realizó después del viaje a Turín. Indica las relaciones entre el color y el estímulo de Macke y Delaunay. Aunque los elementos del jardín son claramente visibles, se nota una mayor dirección hacia la abstracción. En su diario, Klee escribió la siguiente nota en ese momento:

En el gran pozo de moldura yacen ruinas, de las que cuelga parcialmente una. Proporcionan el material para la abstracción. [\u2026] Lo terrible el mundo, lo abstracto el arte, mientras que un mundo feliz produce arte secularista.[73]

Bajo la impronta de su servicio militar crea el cuadro Trauerblumen (Campanas de terciopelo) en 1917, que, con sus signos gráficos, formas vegetales y fantásticas, es un precursor de sus obras futuras, combinando armónicamente gráfico, color y objeto. Por primera vez aparecen pájaros en las imágenes, como en Blumenmythos (Flower Myth) de 1918, reflejando los aviones que vuelan y caen que vio en Gersthofen, y el avión fotografiado se estrella.

En la acuarela de 1918 Einst dem Grau der Nacht enttaucht , un poema compositivo implementado, posiblemente escrito por Klee, incorporó letras en pequeños cuadrados separados por colores, cortando el primer verso del segundo con papel plateado. En la parte superior del cartón, que lleva la imagen, están inscritos los versos en forma manuscrita. Aquí, Klee no se apoyó en los colores de Delaunay, sino en los de Marc, aunque el contenido pictórico de ambos pintores no se corresponde. Herwarth Walden, marchante de arte de Klee, vio en ellos un "Wachablösung" (cambio de guardia) de su arte.[74] Desde 1919 utilizó con frecuencia colores al óleo, con los que combinó acuarelas y lápices de colores. La Villa R (Kunstmuseum Basel) de 1919 une realidades visibles como el sol, la luna, las montañas, los árboles y las arquitecturas, así como promesas surrealistas y lecturas de sentimientos.[75]

Obras en el periodo Bauhaus y en Düsseldorf
Sus obras durante este tiempo incluyen Camel (en paisaje rítmico con árboles) así como otras pinturas con elementos gráficos abstractos como betroffener Ort (Lugar afectado) (1922). A partir de ese período creó Die Zwitscher-Maschine (La máquina de Twitter), que luego fue retirado de la Galería Nacional. Después de ser nombrada difamatoria en la exposición de Munich "Entartete Kunst", la pintura fue comprada más tarde por la Galería Buchholz, Nueva York, y luego transferida en 1939 al Museo de Arte Moderno. El "gorjeo" en el título se refiere a los pájaros de pico abierto, mientras que la "máquina" está ilustrada por la manivela.[76]

La pintura de acuarela parece infantil a primera vista, pero permite más interpretaciones. El cuadro puede interpretarse como una crítica de Klee, quien muestra a través de la desnaturalización de las aves, que la tecnificación del mundo arrebata la autodeterminación de las criaturas.[77]

Otros ejemplos de ese período son der Goldfisch (El pez dorado) de 1925, Katze und Vogel (Gato y pájaro), de 1928, y Hauptweg und Nebenwege (Main Road and Byways) de 1929. A través de variaciones del suelo del lienzo y su pintura combinada técnicas Klee creó nuevos efectos de color e impresiones de imágenes.

En 1931, Klee se trasladó a Düsseldorf para enseñar en la Akademie; los nazis cerraron la Bauhaus poco después.[78] Durante este tiempo, Klee ilustró una serie de ángeles de la guarda. Entre estas figuraciones se encuentra "In Engelshut" (Al cuidado del ángel). Su técnica de superposición evidencia el carácter polifónico de su método de dibujo entre 1920 y 1932.[79]

La pintura de 1932 Ad Parnassum también se creó en el período de Düsseldorf. 100 cm \u00d7 126 cm (39 in \u00d7 50 in) Esta es una de sus pinturas más grandes, ya que solía trabajar con formatos pequeños. En esta obra tipo mosaico al estilo del puntillismo combinó diferentes técnicas y principios compositivos. Influenciado por su viaje a Egipto de 1928 a 1929, Klee construyó un campo de color a partir de puntos estampados individualmente, rodeados de líneas estampadas de manera similar, lo que da como resultado una pirámide. Sobre el techo del "Parnassus" hay un sol. El título identifica la imagen como el hogar de Apolo y las Musas.[80] Durante sus viajes por Egipto en 1929, Klee desarrolló una sensación de conexión con la tierra, descrita por el historiador de arte Olivier Berggruen como un sentimiento místico: "En el desierto, los intensos rayos del sol parecían envolver a todos los seres vivos, y por la noche, el movimiento Klee descubrió en la arquitectura de los antiguos momentos funerarios un sentido de la proporción y la medida en el que los seres humanos aparecían para establecer una relación convincente con la inmensidad del paisaje, además, se sintió atraído por la numerología esotérica que regía la forma en que estos monumentos habían sido construidos". [81] En 1933, su último año en Alemania, creó una serie de pinturas y dibujos; el catálogo razonado constaba de 482 obras. El autorretrato del mismo año\u2014con el título programático von der Liste gestrichen (retirado de la lista)\u2014proporciona información sobre su sentir tras perder la cátedra. El retrato abstracto fue pintado en colores oscuros y muestra los ojos cerrados y los labios comprimidos, mientras que en la parte posterior de su cabeza hay una gran "X", que simboliza que su arte ya no se valoraba en Alemania.[82]
ast trabaja en Suiza
En este período, Klee trabajó principalmente en imágenes de gran tamaño. Después del inicio de la enfermedad, había alrededor de 25 obras en el catálogo de 1936, pero su productividad aumentó en 1937 a 264 cuadros, 1938 a 489 y 1939\u2014su año más productivo\u2014\u1254a 1937. Trataban temas ambivalentes, expresando su personalidad personal. el destino, la situación política y su broma. Los ejemplos son la pintura de acuarela Musiker (músico), una cara de hombre de palo con una boca parcialmente seria y parcialmente sonriente; y la Revolution des Viadukts (Revolución del Viadukt), un arte antifascista. En Viadukt (83), los arcos del puente se separan de la orilla porque se niegan a estar unidos a una cadena y, por lo tanto, se amotinan.[1938] Desde 88, Klee trabajó más intensamente con elementos similares a los jeroglíficos. La pintura Insula dulcamara del mismo año, que es una de sus más grandes (00 cm \u7d176 35 cm (00 in \u7d69 XNUMX in)), muestra una cara blanca en medio de los elementos, simbolizando la muerte con su círculo negro. cuencas de los ojos. La amargura y el dolor no son raros en muchas de sus obras durante este tiempo.

Klee creó en 1940 un cuadro que se diferencia mucho de los trabajos anteriores, dejándolo sin firmar en el andamio. La naturaleza muerta comparativamente realista, Ohne Titel, más tarde llamada Der Todesengel (Ángel de la muerte), representa flores, una maceta verde, una escultura y un ángel. La luna sobre fondo negro está separada de estos grupos. Durante su 60 cumpleaños, Klee fue fotografiado frente a esta imagen [84].

vista contemporánea

¿Fue fehlt ihm? (What Is He Missing?), 1930, dibujo de sello en tinta, papel Ingres sobre cartón, Fondation Beyeler, Riehen cerca de Basilea
\u201c El arte no reproduce lo visible; más bien, hace visible. \u201d
"El acto de Klee es muy prestigioso. En un mínimo de una línea puede revelar su sabiduría. Él es todo; profundo, gentil y muchas más cosas buenas, y esto porque: es innovador", escribió Oskar Schlemmer, futuro artista de Klee. colega en la Bauhaus, en su diario de septiembre de 1916.[85]

El novelista y amigo de Klee, Wilhelm Hausenstein, escribió en su obra Uber Expressionismus in der Malerei (Sobre el expresionismo en la pintura), "Tal vez la actitud de Klee es en general comprensible para la gente de la música\u2014cómo Klee es uno de los violinistas más encantadores que tocan a Bach y Händel, que nunca caminó sobre la tierra. [\u2026] Para Klee, el pintor clásico alemán del cubismo, la música del mundo se convirtió en su compañera, posiblemente incluso en una parte de su arte; la composición, escrita en notas, parece no ser diferente".[86 ]

Cuando Klee visitó la exposición de surrealismo de París en 1925, Max Ernst quedó impresionado por su trabajo. Sus motivos parcialmente morbosos atrajeron a los surrealistas. André Breton ayudó a desarrollar el surrealismo y cambió el nombre de la pintura de Klee de 1912 Zimmerperspektive mit Einwohnern (Habitación en perspectiva con personas) a espíritu de cámara en un catálogo. El crítico René Crevel calificó al artista de "soñador" que "suelta un enjambre de pequeños piojos líricos de misteriosos abismos". El confidente de Paul Klee, Will Grohmann, argumentó en los Cahiers d'art que "definitivamente se mantiene firme sobre sus pies. De ninguna manera es un soñador; es una persona moderna, que enseña como profesor en la Bauhaus". Ante lo cual Breton, como recuerda Joan Miró, se mostró crítico con Klee: "Masson y yo hemos descubierto a Paul Klee. Paul Eluard y Crevel también están interesados ​​en Klee, e incluso lo han visitado. Pero Breton lo desprecia".[87]

El arte de los enfermos mentales inspiró a Klee, así como a Kandinsky y Max Ernst, después de que el libro de Hans Prinzhorn Bildnerei der Geisteskranken (El arte de los enfermos mentales) se publicara en 1922. En 1937, algunos artículos de la antología de Prinzhorn se presentaron en la propaganda nacionalsocialista. exposición "Entartete Kunst" en Munich, con el propósito de difamar las obras de Kirchner, Klee, Nolde y otros artistas comparándolas con obras de locos.[88]

En 1949 Marcel Duchamp comentó sobre Paul Klee: "La primera reacción frente a una pintura de Klee es el descubrimiento muy agradable, lo que cada uno de nosotros podría o podría haber hecho, para intentar dibujar como en nuestra infancia. La mayoría de sus composiciones muestran en el A primera vista, una expresión simple e ingenua, que se encuentra en los dibujos de los niños. [\u2026] En un segundo análisis, uno puede descubrir una técnica, que tiene como base una gran madurez en el pensamiento. Una comprensión profunda del manejo de las acuarelas para pintar un método personal. en óleo, estructurados en formas decorativas, hacen que Klee se destaque en el arte contemporáneo y lo haga incomparable. Por otro lado, su experimento fue adoptado en los últimos 30 años por muchos otros artistas como base para nuevas creaciones en las más diversas áreas. en pintura. Su extrema productividad nunca muestra evidencia de repetición, como suele ser el caso. Tenía tanto que decir, que un Klee nunca se convirtió en otro Klee ".

Una de las pinturas de Klee, Angelus Novus, fue objeto de un texto interpretativo del filósofo y crítico literario alemán Walter Benjamin, quien compró la pintura en 1921. En sus "Tesis sobre la filosofía de la historia", Benjamin sugiere que el ángel representado en la pintura podría verse como la representación del ángel de la historia.

Interpretaciones musicales

Zentrum Paul Klee en Berna, Suiza, diseñado por Renzo Piano
A diferencia de su gusto por los experimentos modernos y aventureros en la pintura, Klee, aunque musicalmente talentoso, se sintió atraído por las tradiciones musicales más antiguas; no apreciaba a los compositores de finales del siglo XIX, como Wagner, Bruckner y Mahler, ni a la música contemporánea. Bach y Mozart fueron para él los más grandes compositores; disfrutó más tocando las obras de este último.[19]

La obra de Klee ha influido en compositores como el argentino Roberto García Morillo en 1943, con Tres pinturas de Paul Klee. Otros incluyen al compositor estadounidense David Diamond en 1958, con el Opus Welt von Paul Klee (El mundo de Paul Klee) en cuatro partes. Gunther Schuller compuso Seven Studies on Themes of Paul Klee en los años 1959/60, que consta de Antique Harmonies, Abstract Trio, Little Blue Devil, Twittering Machine, Arab Village, An Eerie Moment y Pastorale. El compositor español Benet Casablancas escribió Alter Klang, Impromptu for Orchestra after Klee (2006);[91][92] Casablancas es autor también del Retablo sobre textos de Paul Klee, Cantata da Camera for Soprano, Mezzo and Piano (2007). [93][94] En 1950, Giselher Klebe interpretó su obra orquestal Die Zwitschermaschine con el subtítulo Metamorphosen über das Bild von Paul Klee en el Donaueschinger Musiktage.[95] 8 Pieces on Paul Klee es el título del álbum debut del Ensemble Sortisatio, grabado en febrero y marzo de 2002 en Leipzig y agosto de 2002 en Lucerna, Suiza. La composición "Wie der Klee vierblättrig wurde" (Cómo el trébol se convirtió en cuatro hojas) se inspiró en la pintura de acuarela Hat Kopf, Hand, Fuss und Herz (1930), Angelus Novus y Hauptweg und Nebenwege.

En 1968, un grupo de jazz llamado The National Gallery con el compositor Chuck Mangione lanzó el álbum Performing Musical Interpretations of the Paintings of Paul Klee.[96] En 1995, el cineasta experimental griego Kostas Sfikas creó una película basada íntegramente en las pinturas de Paul Klee. La película se titula "Paul Klee's Prophetic Bird of Sorrows" y toma su título de "Paisaje con pájaros amarillos" de Klee. Se hizo usando porciones y recortes de las pinturas de Paul Klee. El director Vassilis Mazomenos fue el diseñador de producción de la película.[97]

https://en.wikipedia.org/wiki/Paul_Klee

Foto gratis Paul Klee (1879 - 1940) integrado con las aplicaciones web de OffiDocs