Paul Klee (1879 - 1940)

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Paul Klee (allemand : [pa\u028a\u032fl \u02c8kle\u02d0] ; 18 décembre 1879 \u2013 29 juin 1940) était un artiste suisse allemand. Son style très individuel a été influencé par des mouvements artistiques qui comprenaient l'expressionnisme, le cubisme et le surréalisme. Klee était un dessinateur naturel qui a expérimenté et finalement exploré en profondeur la théorie des couleurs, en écrivant abondamment à ce sujet ; ses conférences Writings on Form and Design Theory (Schriften zur Form und Gestaltungslehre), publiées en anglais sous le nom de Paul Klee Notebooks, sont considérées comme aussi importantes pour l'art moderne que le Traité de la peinture pour la Renaissance de Léonard de Vinci.[1][ 2][3] Lui et son collègue, le peintre russe Wassily Kandinsky, ont tous deux enseigné à l'école d'art, de design et d'architecture Bauhaus. Ses œuvres reflètent son humour sec et sa perspective parfois enfantine, ses humeurs et croyances personnelles et sa musicalité.

« D'abord l'art de vivre ; ensuite comme métier idéal, la poésie et la philosophie, et comme véritable métier, les arts plastiques ; en dernier ressort, faute de revenus, l'illustration. \u2014 Paul Klee.

Paul Klee est né à Münchenbuchsee, en Suisse, en tant que deuxième enfant du professeur de musique allemand Hans Wilhelm Klee (1849\u20131940) et de la chanteuse suisse Ida Marie Klee, née Frick (1855\u20131921).[a] Sa sœur Mathilde (décédée le 6 décembre) 1953) est né le 28 janvier 1876 à Walzenhausen. Leur père est venu de Tann et a étudié le chant, le piano, l'orgue et le violon au Conservatoire de Stuttgart, y rencontrant sa future épouse Ida Frick. Hans Wilhelm Klee a été actif en tant que professeur de musique au séminaire d'État de Berne à Hofwil près de Berne jusqu'en 1931. Klee a pu développer ses compétences musicales alors que ses parents l'encourageaient et l'inspiraient tout au long de sa vie.[5] En 1880, sa famille déménage à Berne, où ils emménagent finalement, en 1897, après plusieurs changements de résidence, dans leur propre maison dans le quartier Kirchenfeld [de].[6] De 1886 à 1890, Klee fréquente l'école primaire et reçoit, à l'âge de 7 ans, des cours de violon à l'école municipale de musique. Il était si talentueux au violon qu'à 11 ans, il a reçu une invitation à jouer en tant que membre extraordinaire de l'Association de musique de Berne.[7]

Dans ses premières années, suivant les souhaits de ses parents, Klee s'est concentré sur devenir musicien ; mais il a opté pour les arts visuels au cours de son adolescence, en partie par rébellion et en partie parce que la musique moderne manquait de sens pour lui. Il a déclaré : « Je n'ai pas trouvé l'idée de me lancer dans la musique de manière créative particulièrement attrayante compte tenu du déclin de l'histoire des réalisations musicales. » [2019] En tant que musicien, il jouait et se sentait émotionnellement lié aux œuvres traditionnelles du XVIIIe et XIXe siècles, mais en tant qu'artiste, il aspirait à la liberté d'explorer des idées et des styles radicaux.[8] À seize ans, les dessins de paysages de Klee montrent déjà une habileté considérable.[8]

Vers 1897, Klee a commencé son journal, qu'il a conservé jusqu'en 1918, et qui a fourni aux chercheurs un aperçu précieux de sa vie et de sa pensée.[10] Au cours de ses années d'école, il dessine avidement dans ses livres scolaires, en particulier en dessinant des caricatures, et démontre déjà une habileté avec la ligne et le volume.[11] Il a à peine réussi ses examens finaux au "Gymnasium" de Berne, où il a obtenu son diplôme en sciences humaines. Avec son esprit sec caractéristique, il a écrit : « Après tout, il est plutôt difficile d'atteindre le minimum exact, et cela comporte des risques. » [2019] Sur son propre temps, en plus de ses intérêts profonds pour la musique et l'art, Klee était un grand lecteur de littérature, et plus tard un écrivain sur la théorie de l'art et l'esthétique.[12]

Avec la permission réticente de ses parents, en 1898, Klee a commencé à étudier l'art à l'Académie des beaux-arts de Munich avec Heinrich Knirr et Franz von Stuck. Il excellait dans le dessin mais semblait manquer de tout sens naturel des couleurs. Il se souviendra plus tard : « Au cours du troisième hiver, j'ai même réalisé que je n'apprendrais probablement jamais à peindre. Il a eu un fils illégitime en 12 qui est mort plusieurs semaines après la naissance.[1900]

Après avoir obtenu son diplôme des Beaux-Arts, Klee se rend en Italie d'octobre 1901 à mai 1902[15] avec son ami Hermann Haller. Ils sont restés à Rome, Florence et Naples et ont étudié les maîtres peintres des siècles passés.[14] Il s'est exclamé : « Le Forum et le Vatican m'ont parlé. L'humanisme veut m'étouffer. couleur."[16] Pour Klee, la couleur représentait l'optimisme et la noblesse dans l'art, et un espoir de soulagement de la nature pessimiste qu'il exprimait dans ses grotesques et satires en noir et blanc.[17] De retour à Berne, il vécut plusieurs années chez ses parents et suivit occasionnellement des cours d'art. En 17, il développa des techniques expérimentales, notamment le dessin à l'aiguille sur une vitre noircie, donnant lieu à cinquante-sept œuvres dont son Portrait de mon père (1905).[1906] Dans les années 11\u1903, il a également achevé un cycle de onze eaux-fortes sur plaque de zinc intitulé Inventions, ses premières œuvres exposées, dans lesquelles il a illustré plusieurs personnages grotesques.[201305][14] Il a commenté, "bien que je sois assez satisfait de mes gravures, je ne peux pas continuer comme ça. Je ne suis pas un spécialiste."[18] Klee partageait toujours son temps avec la musique, jouant du violon dans un orchestre et écrivant critiques de concerts et de théâtre.[2019]

Mariage et premières années

Le mariage

Klee a épousé la pianiste bavaroise Lily Stumpf en 1906 et ils ont eu un fils nommé Felix Paul l'année suivante. Ils vivaient dans une banlieue de Munich, et tandis qu'elle donnait des cours de piano et des représentations occasionnelles, il gardait la maison et s'occupait de ses œuvres d'art. Sa tentative d'être un illustrateur de magazine a échoué.[20] Le travail artistique de Klee a progressé lentement au cours des cinq années suivantes, en partie parce qu'il devait partager son temps avec les affaires domestiques et en partie alors qu'il tentait de trouver une nouvelle approche de son art. En 1910, il a eu sa première exposition personnelle à Berne, qui a ensuite voyagé dans trois villes suisses.

Affiliation au "Blaue Reiter", 1911
En janvier 1911, Alfred Kubin rencontre Klee à Munich et l'encourage à illustrer Candide de Voltaire. Ses dessins résultants ont été publiés plus tard dans une version 1920 du livre édité par Kurt Wolff. À cette époque, le travail graphique de Klee a augmenté. Son penchant précoce pour l'absurde et le sarcastique a été bien accueilli par Kubin, qui s'est lié d'amitié avec Klee et est devenu l'un de ses premiers collectionneurs importants.[21] Klee a rencontré, par l'intermédiaire de Kubin, le critique d'art Wilhelm Hausenstein en 1911. Klee était un membre fondateur et directeur du syndicat des artistes de Munich Sema cet été-là.[22] En automne, il fait la connaissance d'August Macke et de Wassily Kandinsky, et en hiver il rejoint l'équipe éditoriale de l'almanach Der Blaue Reiter, fondé par Franz Marc et Kandinsky. En rencontrant Kandinsky, Klee a écrit : « J'ai ressenti une profonde confiance en lui. C'est quelqu'un et il a un esprit exceptionnellement beau et lucide. »[23] Parmi les autres membres figuraient Macke, Gabriele Münter et Marianne von Werefkin. Klee devint en quelques mois l'un des membres les plus importants et les plus indépendants du Blaue Reiter, mais il n'était pas encore pleinement intégré.[24]

La sortie de l'almanach a été retardée au profit d'une exposition. La première exposition Blaue Reiter a lieu du 18 décembre 1911 au 1er janvier 1912 à la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser à Munich. Klee n'y assista pas, mais lors de la deuxième exposition, qui eut lieu du 12 février au 18 mars 1912 à la galerie Goltz, 17 de ses œuvres graphiques furent montrées. Le nom de cette exposition d'art était Schwarz-Wei, car elle ne concernait que la peinture graphique.[25] Initialement prévu pour être publié en 1911, la date de sortie de l'almanach Der Blau Reiter de Kandinsky et Marc a été retardée en mai 1912, y compris le dessin à l'encre reproduit Steinhauer par Klee. En même temps, Kandinsky a publié son histoire de l'art en écrivant Uber das Geistige in der Kunst.[26]

Participation à des expositions d'art, 1912/1913
L'association a ouvert l'esprit de Klee aux théories modernes de la couleur. Ses voyages à Paris en 1912 l'exposèrent également à l'effervescence du cubisme et aux exemples pionniers de la « peinture pure », un terme précoce pour l'art abstrait. L'utilisation de couleurs vives par Robert Delaunay et Maurice de Vlaminck l'a également inspiré.[27] Plutôt que de copier ces artistes, Klee a commencé à travailler sur ses propres expériences de couleur dans des aquarelles pâles et a réalisé des paysages primitifs, notamment In the Quarry (1913) et Houses near the Gravel Pit (1913), en utilisant des blocs de couleur avec un chevauchement limité.[28 ] Klee a reconnu qu'"un long combat m'attend dans ce domaine de la couleur" afin d'atteindre son "objectif lointain et noble". Bientôt, il découvre « le style qui relie le dessin et le royaume de la couleur ».[17]

Voyage à Tunis, 1914
La percée artistique de Klee a eu lieu en 1914 lorsqu'il a brièvement visité la Tunisie avec August Macke et Louis Moilliet et a été impressionné par la qualité de la lumière là-bas. Il écrit : « La couleur s'est emparée de moi ; je n'ai plus à la courir après, je sais qu'elle m'a pour toujours... La couleur et moi ne faisons qu'un. Je suis peintre. »[29] Avec ça réalisation, la fidélité à la nature a perdu de son importance. Au lieu de cela, Klee a commencé à se plonger dans le « romantisme cool de l'abstraction ».[29] En acquérant un deuxième vocabulaire artistique, Klee a ajouté de la couleur à ses capacités de dessinateur, et dans de nombreuses œuvres les a combinées avec succès, comme il l'a fait dans une série qu'il a appelée « peintures d'opéra ».[30][31] L'un des exemples les plus littéraux de cette nouvelle synthèse est The Bavarian Don Giovanni (1919).[32]

De retour chez lui, Klee peint son premier pur abstrait, Dans le style de Kairouan (1914), composé de rectangles colorés et de quelques cercles.[33] Le rectangle coloré est devenu son bloc de construction de base, ce que certains érudits associent à une note de musique, que Klee a combiné avec d'autres blocs de couleur pour créer une harmonie de couleurs analogue à une composition musicale. Sa sélection d'une palette de couleurs particulière émule une clé musicale. Parfois, il utilise des paires de couleurs complémentaires, et d'autres fois des couleurs « dissonantes », reflétant à nouveau son lien avec la musicalité.[34]

Carrière militaire

Paul Klee en soldat, 1916
Quelques semaines plus tard, la Première Guerre mondiale éclate. Au début, Klee en était quelque peu détaché, comme il l'écrivait ironiquement : « J'ai depuis longtemps cette guerre en moi. C'est pourquoi, intérieurement, cela ne me concerne pas. des forces de réserve en Prusse ou en Allemagne impériale) le 35 mars 5. La mort de ses amis August Macke et Franz Marc au combat commença à l'affecter. Évacuant sa détresse, il a créé plusieurs lithographies à la plume et à l'encre sur des thèmes de guerre, dont Mort pour l'idée (1916).[1915] Après avoir terminé la formation militaire qui débute le 36 mars 11, il s'engage comme soldat derrière le front. Klee a déménagé le 1916 août à la société de maintenance d'avions[b] à Oberschleissheim, exécutant des travaux manuels qualifiés, tels que la restauration du camouflage des avions et l'accompagnement des transports d'avions. Le 20 janvier 17, il est transféré à l'école de pilotage royale de Bavière à Gersthofen (devenue 1917 ans plus tard la station de terrain USASA à Augsbourg) pour travailler comme commis du trésorier jusqu'à la fin de la guerre. Cela lui a permis de rester dans une petite pièce à l'extérieur du bloc de la caserne et de continuer à peindre.[54][37]

Il a continué à peindre pendant toute la guerre et a réussi à exposer dans plusieurs salons. En 1917, le travail de Klee se vendait bien et les critiques d'art l'ont acclamé comme le meilleur des nouveaux artistes allemands.[39] Son Ab ovo (1917) est particulièrement remarquable pour sa technique sophistiquée. Il utilise l'aquarelle sur gaze et papier avec un fond de craie, qui produit une riche texture de motifs triangulaires, circulaires et en croissant.[29] Démontrant sa gamme d'exploration, mélangeant la couleur et la ligne, son Warning of the Ships (1918) est un dessin coloré rempli d'images symboliques sur un champ de couleur supprimée.

Carrière mature

En 1919, Klee postula pour un poste d'enseignant à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart.[41] Cette tentative a échoué, mais il a remporté un grand succès en obtenant un contrat de trois ans (avec un revenu annuel minimum) avec le marchand Hans Goltz, dont la galerie influente a donné à Klee une exposition importante et un certain succès commercial. Une rétrospective de plus de 300 œuvres en 1920 était également remarquable.[42]

Klee a enseigné au Bauhaus de janvier 1921 à avril 1931.[43] Il était un maître "Forme" dans les ateliers de reliure, de vitrail et de peinture murale et disposait de deux studios.[44] En 1922, Kandinsky rejoint l'équipe et reprend son amitié avec Klee. Plus tard cette année-là, la première exposition et festival du Bauhaus a eu lieu, pour lequel Klee a créé plusieurs supports publicitaires.[45] Klee s'est félicité du fait qu'il y avait de nombreuses théories et opinions contradictoires au sein du Bauhaus : « J'approuve également le fait que ces forces se concurrencent les unes avec les autres si le résultat est une réussite. » [46]

Klee était également membre de Die Blaue Vier (The Blue Four), avec Kandinsky, Lyonel Feininger et Alexej von Jawlensky; formé en 1923, ils ont donné des conférences et exposé ensemble aux États-Unis en 1925. La même année, Klee a présenté ses premières expositions à Paris et il est devenu un succès auprès des surréalistes français.[47] Klee a visité l'Egypte en 1928, ce qui l'a moins impressionné que la Tunisie. En 1929, la première monographie importante sur le travail de Klee a été publiée, écrite par Will Grohmann.[48]

Klee a également enseigné à l'Académie de Düsseldorf de 1931 à 1933, et a été distingué par un journal nazi : « Puis ce grand type Klee entre en scène, déjà célèbre comme professeur du Bauhaus à Dessau. Il dit à tout le monde qu'il est un pur-sang arabe, mais c'est un juif galicien typique. »[49] Son domicile a été perquisitionné par la Gestapo et il a été licencié de son travail.[3][50] Son autoportrait Struck from the List (1933) commémore la triste occasion.[49] En 1933\u201334, Klee expose à Londres et à Paris, et rencontre enfin Pablo Picasso, qu'il admire beaucoup.[51] La famille Klee a émigré en Suisse à la fin de 1933.[51]

Klee était au sommet de sa production créative. Son Ad Parnassum (1932) est considéré comme son chef-d'œuvre et le meilleur exemple de son style pointilliste ; c'est aussi l'une de ses peintures les plus grandes et les plus finement travaillées.[52][53] Il a produit près de 500 œuvres en 1933 au cours de sa dernière année en Allemagne.[54] Cependant, en 1933, Klee a commencé à ressentir les symptômes de ce qui a été diagnostiqué comme une sclérodermie après sa mort. La progression de sa maladie mortelle, qui rendait la déglutition très difficile, peut être suivie à travers l'art qu'il a créé dans ses dernières années. Sa production en 1936 n'était que de 25 tableaux. À la fin des années 1930, sa santé s'est quelque peu rétablie et il a été encouragé par une visite de Kandinsky et de Picasso.[55] Les conceptions plus simples et plus grandes de Klee lui ont permis de maintenir sa production au cours de ses dernières années, et en 1939, il a créé plus de 1,200 56 œuvres, un sommet en carrière pendant un an.[57] Il a utilisé des lignes plus épaisses et principalement des formes géométriques avec des blocs de couleur moins nombreux mais plus grands. Ses palettes de couleurs variées, certaines avec des couleurs vives et d'autres sombres, reflétaient peut-être ses humeurs alternées d'optimisme et de pessimisme.[1937] De retour en Allemagne en 102, dix-sept des tableaux de Klee ont été inclus dans une exposition d'« Art dégénéré » et 58 de ses œuvres dans des collections publiques ont été saisies par les nazis.[XNUMX]

Décès
Klee a souffert d'une maladie débilitante, la sclérodermie, vers la fin de sa vie, endurant une douleur qui semble se refléter dans ses dernières œuvres d'art. L'une de ses dernières peintures, Death and Fire, présente un crâne au centre avec le mot allemand pour la mort, "Tod", apparaissant sur le visage. Il est décédé à Muralto, Locarno, Suisse, le 29 juin 1940 sans avoir obtenu la nationalité suisse, malgré sa naissance dans ce pays. Son œuvre d'art a été considérée comme trop révolutionnaire, voire dégénérée, par les autorités suisses, mais elles ont finalement accepté sa demande six jours après sa mort.[59] Son héritage comprend environ 9,000 17 œuvres d'art.[60] Les mots sur sa pierre tombale, le credo de Klee, placés là par son fils Felix, disent : "Je ne peux pas être saisi dans l'ici et maintenant, Car ma demeure est autant parmi les morts, Comme l'encore à naître, Légèrement plus proche du cœur de la création que d'habitude, mais toujours pas assez près."[XNUMX] Il a été enterré à Schosshaldenfriedhof, Berne, Suisse.

Style et méthodes

Klee a été diversement associé à l'expressionnisme, au cubisme, au futurisme, au surréalisme et à l'abstraction, mais ses images sont difficiles à classer. Il travaillait généralement isolé de ses pairs et interprétait les nouvelles tendances artistiques à sa manière. Il était inventif dans ses méthodes et sa technique. Klee a travaillé dans de nombreux médias différents\u2014peinture à l'huile, aquarelle, encre, pastel, eau-forte et autres. Il les a souvent combinés en une seule œuvre. Il a utilisé de la toile, de la toile de jute, de la mousseline, du lin, de la gaze, du carton, des feuilles de métal, du tissu, du papier peint et du papier journal.[61] Klee a utilisé de la peinture en aérosol, l'application au couteau, l'estampage, le glaçage et l'empâtement, ainsi que des techniques mixtes telles que l'huile à l'aquarelle, l'aquarelle à la plume et à l'encre de Chine et l'huile à la détrempe.[62]

Il était un dessinateur naturel et, grâce à de longues expérimentations, a développé une maîtrise de la couleur et de la tonalité. Beaucoup de ses œuvres combinent ces compétences. Il utilise une grande variété de palettes de couleurs allant du presque monochromatique au très polychrome. Ses œuvres ont souvent une qualité enfantine fragile et sont généralement à petite échelle. Il a souvent utilisé des formes géométriques et des compositions au format de grille ainsi que des lettres et des chiffres, fréquemment combinés avec des figures ludiques d'animaux et de personnes. Certaines œuvres étaient complètement abstraites. Beaucoup de ses œuvres et leurs titres reflètent son humour sec et ses humeurs variées ; certains expriment des convictions politiques. Ils font fréquemment allusion à la poésie, à la musique et aux rêves et incluent parfois des mots ou une notation musicale. Les œuvres ultérieures se distinguent par des symboles ressemblant à des hiéroglyphes en forme d'araignée. Rainer Maria Rilke a écrit à propos de Klee en 1921 : « Même si vous ne m'aviez pas dit qu'il jouait du violon, j'aurais deviné que ses dessins étaient souvent des transcriptions de musique. »[2019]

Pamela Kort a observé : « Les dessins de Klee de 1933 offrent à leur spectateur une occasion sans précédent d'apercevoir un aspect central de son esthétique qui est resté largement méconnu : sa préoccupation de longue date pour les possibilités de la parodie et de l'esprit. C'est là que réside leur véritable signification, en particulier pour un public ignorant que l'art de Klee a des dimensions politiques."[63]

Parmi les rares œuvres plastiques figurent des marionnettes à main réalisées entre 1916 et 1925, pour son fils Félix. L'artiste ne les considère pas comme une composante de son œuvre et ne les énumère pas non plus dans son catalogue raisonné. Trente des marionnettes conservées sont conservées au Zentrum Paul Klee, Berne.[64]

Style et méthodes

Conte la Hoffmann (1921), aquarelle, encre et crayon sur papier. 31.1 \u00d7 24.1 cm. Dans la collection du Metropolitan Museum of Art, New York
Klee a été diversement associé à l'expressionnisme, au cubisme, au futurisme, au surréalisme et à l'abstraction, mais ses images sont difficiles à classer. Il travaillait généralement isolé de ses pairs et interprétait les nouvelles tendances artistiques à sa manière. Il était inventif dans ses méthodes et sa technique. Klee a travaillé dans de nombreux médias différents\u2014peinture à l'huile, aquarelle, encre, pastel, eau-forte et autres. Il les a souvent combinés en une seule œuvre. Il a utilisé de la toile, de la toile de jute, de la mousseline, du lin, de la gaze, du carton, des feuilles de métal, du tissu, du papier peint et du papier journal.[61] Klee a utilisé de la peinture en aérosol, l'application au couteau, l'estampage, le glaçage et l'empâtement, ainsi que des techniques mixtes telles que l'huile à l'aquarelle, l'aquarelle à la plume et à l'encre de Chine et l'huile à la détrempe.[62]

Il était un dessinateur naturel et, grâce à de longues expérimentations, a développé une maîtrise de la couleur et de la tonalité. Beaucoup de ses œuvres combinent ces compétences. Il utilise une grande variété de palettes de couleurs allant du presque monochromatique au très polychrome. Ses œuvres ont souvent une qualité enfantine fragile et sont généralement à petite échelle. Il a souvent utilisé des formes géométriques et des compositions au format de grille ainsi que des lettres et des chiffres, fréquemment combinés avec des figures ludiques d'animaux et de personnes. Certaines œuvres étaient complètement abstraites. Beaucoup de ses œuvres et leurs titres reflètent son humour sec et ses humeurs variées ; certains expriment des convictions politiques. Ils font fréquemment allusion à la poésie, à la musique et aux rêves et incluent parfois des mots ou une notation musicale. Les œuvres ultérieures se distinguent par des symboles ressemblant à des hiéroglyphes en forme d'araignée. Rainer Maria Rilke a écrit à propos de Klee en 1921 : « Même si vous ne m'aviez pas dit qu'il jouait du violon, j'aurais deviné que ses dessins étaient souvent des transcriptions de musique. »[2019]

Pamela Kort a observé : « Les dessins de Klee de 1933 offrent à leur spectateur une occasion sans précédent d'apercevoir un aspect central de son esthétique qui est resté largement méconnu : sa préoccupation de longue date pour les possibilités de la parodie et de l'esprit. C'est là que réside leur véritable signification, en particulier pour un public ignorant que l'art de Klee a des dimensions politiques."[63]

Parmi les rares œuvres plastiques figurent des marionnettes à main réalisées entre 1916 et 1925, pour son fils Félix. L'artiste ne les considère pas comme une composante de son œuvre et ne les énumère pas non plus dans son catalogue raisonné. Trente des marionnettes conservées sont conservées au Zentrum Paul Klee, Berne.[64]

Accès
Premières œuvres
Certains des premiers dessins d'enfants conservés par Klee, encouragés par sa grand-mère, figuraient sur son catalogue raisonné. Au total, 19 eaux-fortes ont été réalisées au cours des années bernoises ; dix d'entre eux ont été réalisés entre 1903 et 1905 dans le cycle "Inventionen" (Inventions),[65] qui ont été présentés en juin 1906 à l'"Internationale Kunstausstellung des Vereins bildender Künstler Münchens 'Secession'" (Exposition internationale d'art de l'Association pour Arts graphiques, Munich, Sécession), sa première apparition en tant que peintre en public.[66] Klee avait retiré la troisième invention, Pessimistische Allegorie des Gebirges (Allégorie pessimiste de la montagne), en février 1906 de son cycle.[67] Les gravures satiriques, par exemple Jungfrau im Baum/Jungfrau (träumend) (Vierge sur l'arbre/Vierge (rêvant)) de 1903 et Greiser Phoenix (Aged Phoenix) de 1905, ont été classées par Klee comme "avant-postes surréalistes". Jungfrau im Baum attache sur le motif Le cattive madri (1894) de Giovanni Segantini. L'image a été influencée par les poésies lyriques grotesques d'Alfred Jarry, Max Jacob et Christian Morgenstern.[68] Il présente un pessimisme culturel que l'on retrouve au tournant du XXe siècle dans les œuvres des symbolistes. L'Invention Nr. 20, la gravure de 6 Zwei Männer, einander in höherer Stellung vermutend (Deux hommes, supposant que l'autre est dans une position plus élevée), représente deux hommes nus, vraisemblablement l'empereur Guillaume II et François-Joseph Ier d'Autriche, reconnaissables à leur coiffure et à leur barbe . Comme leurs vêtements et leurs insignes étaient dépourvus, "les deux n'ont aucune idée si leur salut conventionnel [\u1903] est en ordre ou non. Comme ils supposent que leur homologue aurait pu être mieux noté", ils s'inclinent et grattent.[2026]

Klee a commencé à introduire une nouvelle technique en 1905 : le grattage sur un panneau de verre noirci avec une aiguille. Il réalise ainsi environ 57 tableaux en Verre églomisé, parmi lesquels le Gartenszene (Scène sur un jardin) de 1905 et le Porträt des Vaters (Portrait d'un père) de 1906, avec lesquels il essaie de combiner peinture et grattage.[70] Le premier travail solitaire de Klee a pris fin en 1911, l'année où il a rencontré et a été inspiré par le graphiste Alfred Kubin, et s'est associé aux artistes du Blaue Reiter.[71]

Période mystique-abstraite, 1914\u20131919
Au cours de son voyage éducatif de douze jours à Tunis en avril 1914, Klee a produit des aquarelles de Macke et Moilliet, qui mettent en œuvre le puissant stimulus lumineux et coloré de la campagne nord-africaine à la manière des concepts de forme cubiste de Paul Cézanne et Robert Delaunays. Le but n'était pas d'imiter la nature, mais de créer des compositions analogues au principe formateur de la nature, comme dans les œuvres In den Häusern von Saint-Germain (Dans les maisons de Saint-Germain) et Straencafé (Streetcafé). Klee a transmis le paysage dans une grille, de sorte qu'il se dissolve dans une harmonie colorée. Il a également créé des œuvres abstraites à cette époque, telles que Abstract et Farbige Kreise durch Farbbänder verbunden (Cercles colorés liés par des rubans encrés).[72] Il n'a jamais abandonné l'objet ; une ségrégation permanente n'a jamais eu lieu. Il a fallu plus de dix ans à Klee pour travailler sur des expériences et des analyses de la couleur, aboutissant à un travail artificiel indépendant, dans lequel ses idées de conception étaient basées sur le monde oriental coloré.

Föhn im Marc'schen Garten (Foehn au jardin de Marc) a été réalisé après le voyage à Turin. Il indique les relations entre la couleur et le stimulus de Macke et Delaunay. Bien que des éléments du jardin soient clairement visibles, une nouvelle orientation vers l'abstraction est perceptible. Dans son journal, Klee a écrit la note suivante à cette époque :

Dans la grande fosse de moulage se trouvent des ruines auxquelles on s'accroche partiellement. Ils fournissent la matière de l'abstraction. [\u2026] Le monde terrible, l'art abstrait, tandis qu'un monde heureux produit de l'art laïc.[73]

Sous l'impression de son service militaire, il crée en 1917 le tableau Trauerblumen (Velvetbells) qui, avec ses signes graphiques, ses formes végétales et fantasmatiques, est un précurseur de ses œuvres futures, alliant harmonieusement graphique, couleur et objet. Pour la première fois, des oiseaux apparaissent dans les images, comme dans Blumenmythos (Flower Myth) de 1918, reflétant les avions volants et tombants qu'il a vus à Gersthofen, et l'avion photographié s'écrase.

Dans l'aquarelle de 1918 Einst dem Grau der Nacht enttaucht, un poème mis en œuvre par composition, peut-être écrit par Klee, il a incorporé des lettres en petits carrés séparés par des couleurs, coupant le premier vers du second avec du papier argenté. Au sommet du carton, qui porte l'image, les vers sont inscrits sous forme manuscrite. Ici, Klee ne s'est pas appuyé sur les couleurs de Delaunay, mais sur celles de Marc, bien que le contenu des tableaux des deux peintres ne corresponde pas. Herwarth Walden, le marchand d'art de Klee, a vu en eux un "Wachablösung" (changement de la garde) de son art.[74] Depuis 1919, il utilisait souvent des couleurs à l'huile, avec lesquelles il combinait aquarelle et crayon de couleur. La Villa R (Kunstmuseum Basel) de 1919 réunit des réalités visibles telles que le soleil, la lune, les montagnes, les arbres et les architectures, ainsi que des promesses surréalistes et des lectures de sentiments.[75]

uvres à l'époque du Bauhaus et à Düsseldorf
Ses œuvres pendant cette période incluent Camel (dans un paysage rythmé avec des arbres) ainsi que d'autres peintures avec des éléments graphiques abstraits tels que betroffener Ort (Endroit affecté) (1922). À partir de cette période, il a créé Die Zwitscher-Maschine (La machine à Twitter), qui a ensuite été retiré de la National Gallery. Après avoir été qualifié de diffamatoire dans l'exposition munichoise « Entartete Kunst », le tableau a ensuite été acheté par la Buchholz Gallery, New York, puis transféré en 1939 au Museum of Modern Art. Le « gazouillement » dans le titre fait référence aux oiseaux au bec ouvert, tandis que la « machine » est illustrée par la manivelle.[76]

L'aquarelle apparaît de prime abord enfantine, mais elle permet plus d'interprétations. L'image peut être interprétée comme une critique par Klee, qui montre à travers la dénaturation des oiseaux, que la technologie mondiale vole l'autodétermination des créatures.[77]

D'autres exemples de cette période sont der Goldfisch (Le poisson rouge) de 1925, Katze und Vogel (Le chat et l'oiseau), de 1928, et Hauptweg und Nebenwege (Route principale et routes) de 1929. Grâce à des variations de la toile au sol et à sa peinture combinée techniques Klee a créé de nouveaux effets de couleurs et impressions d'images.

En 1931, Klee est transféré à Düsseldorf pour enseigner à l'Akademie ; les nazis ont fermé le Bauhaus peu de temps après.[78] Pendant ce temps, Klee a illustré une série d'anges gardiens. Parmi ces figurations se trouve "In Engelshut" (In the Angel's Care). Sa technique de superposition témoigne du caractère polyphonique de sa méthode de dessin entre 1920 et 1932.[79]

Le tableau Ad Parnassum de 1932 a également été créé à l'époque de Düsseldorf. 100 cm \u00d7 126 cm (39 in \u00d7 50 in) C'est l'une de ses plus grandes peintures, car il travaillait habituellement avec de petits formats. Dans ce travail semblable à une mosaïque dans le style du pointillisme, il a combiné différentes techniques et principes de composition. Influencé par son voyage en Égypte de 1928 à 1929, Klee a construit un champ de couleurs à partir de points estampés individuellement, entourés de lignes estampées de la même manière, ce qui donne une pyramide. Au-dessus du toit du "Parnasse" il y a un soleil. Le titre identifie l'image comme la maison d'Apollon et des Muses.[80] Au cours de ses voyages en 1929 à travers l'Égypte, Klee a développé un sentiment de connexion à la terre, décrit par l'historien de l'art Olivier Berggruen comme un sentiment mystique : « Dans le désert, les rayons intenses du soleil semblaient envelopper tous les êtres vivants, et la nuit, le mouvement Dans l'architecture des anciens moments funéraires, Klee découvrit un sens des proportions et de la mesure dans lequel les êtres humains semblaient établir une relation convaincante avec l'immensité du paysage ; en outre, il était attiré par la numérologie ésotérique cela a gouverné la manière dont ces monuments avaient été construits. »[81] En 1933, sa dernière année en Allemagne, il a créé une gamme de peintures et de dessins ; le catalogue raisonné comprend 482 œuvres. L'autoportrait de la même année\u2014avec le titre programmatique von der Liste gestrichen (retiré de la liste)\u2014fournit des informations sur son sentiment après avoir perdu sa chaire. Le portrait abstrait a été peint dans des couleurs sombres et montre des yeux fermés et des lèvres comprimées, tandis qu'à l'arrière de sa tête il y a un grand "X", symbolisant que son art n'était plus apprécié en Allemagne.[82]
ast travaille en Suisse
À cette époque, Klee travaillait principalement sur des images de grande taille. Après l'apparition de la maladie, il y avait environ 25 œuvres dans le catalogue de 1936, mais sa productivité a augmenté en 1937 à 264 images, 1938 à 489 et 1939\u2014sa année la plus productive à 2014. Ils ont traité des thèmes ambivalents, exprimant son sort, la situation politique et sa plaisanterie. Les exemples sont la peinture à l'aquarelle Musiker (musicien), un visage d'homme bâton avec une bouche partiellement sérieuse et partiellement souriante; et la Révolution des Viadukts (Révolution du Viadukt), un art antifasciste. Dans Viadukt (1254), les arches du pont se séparent de la rive car elles refusent d'être liées à une chaîne et sont donc en émeute.[1937] Depuis 83, Klee a travaillé plus intensément avec des éléments de type hiéroglyphique. Le tableau Insula dulcamara de la même année, qui est l'un de ses plus grands (1938 cm \u88d00 7 cm (176 in \u35d00 7 in)), montre un visage blanc au milieu des éléments, symbolisant la mort avec son cercle noir orbites. L'amertume et le chagrin ne sont pas rares dans une grande partie de ses œuvres pendant cette période.

Klee a créé en 1940 un tableau qui diffère fortement des œuvres précédentes, le laissant non signé sur l'échafaudage. La nature morte relativement réaliste, Ohne Titel, plus tard nommée Der Todesengel (Ange de la mort), représente des fleurs, un pot vert, une sculpture et un ange. La lune sur fond noir est séparée de ces groupes. Lors de son 60e anniversaire, Klee a été photographié devant cette photo.[84]

Vue contemporaine

Était-ce que j'ai pu ? (Qu'est-ce qu'il manque ?), 1930, dessin de timbre à l'encre, papier Ingres sur carton, Fondation Beyeler, Riehen près de Bâle
\u201c L'art ne reproduit pas le visible ; au contraire, il rend visible. \u201d
"Le numéro de Klee est très prestigieux. En au moins une ligne, il peut révéler sa sagesse. Il est tout; profond, doux et bien d'autres bonnes choses, et ce parce que: il est innovant", a écrit Oskar Schlemmer, le futur artiste de Klee collègue au Bauhaus, dans son journal de septembre 1916.[85]

Le romancier et ami de Klee, Wilhelm Hausenstein, a écrit dans son ouvrage Uber Expressionismus in der Malerei (Sur l'expressionnisme dans la peinture), « Peut-être que l'attitude de Klee est en général compréhensible pour les musiciens. marchait sur la terre. [\u2014] Pour Klee, le peintre classique allemand du cubisme, la musique du monde est devenue sa compagne, peut-être même une partie de son art ; la composition, écrite en notes, ne semble pas différente. "[2026 ]

Lorsque Klee a visité l'exposition sur le surréalisme à Paris en 1925, Max Ernst a été impressionné par son travail. Ses motifs en partie morbides séduisent les surréalistes. André Breton a aidé à développer le surréalisme et a renommé le tableau de Klee de 1912 Zimmerperspektive mit Einwohnern (Room Perspective with People) en esprit de chambre dans un catalogue. Le critique René Crevel a qualifié l'artiste de « rêveur » qui « libère une nuée de petits pous lyriques de mystérieux gouffres ». Le confident de Paul Klee, Will Grohmann, affirmait dans les Cahiers d'art qu'il "est définitivement bien solide sur ses pieds. Ce n'est en aucun cas un rêveur; c'est une personne moderne, qui enseigne en tant que professeur au Bauhaus". Sur quoi Breton, comme se souvient Joan Miró, critiquait Klee : « Masson et moi avons tous deux découvert Paul Klee. Paul Eluard et Crevel s'intéressent également à Klee, et ils lui ont même rendu visite. Mais Breton le méprise.

L'art des malades mentaux a inspiré Klee ainsi que Kandinsky et Max Ernst, après la publication du livre Bildnerei der Geisteskranken (Art des malades mentaux) de Hans Prinzhorn en 1922. En 1937, certains articles de l'anthologie de Prinzhorn ont été présentés à la propagande nationale-socialiste. exposition "Entartete Kunst" à Munich, dans le but de diffamer les œuvres de Kirchner, Klee, Nolde et d'autres artistes en les comparant aux œuvres des fous.[88]

En 1949 Marcel Duchamp commente Paul Klee : « La première réaction devant un tableau de Klee est la découverte très agréable, ce que chacun de nous a pu ou aurait pu faire, de s'essayer au dessin comme dans notre enfance. au premier coup d'œil une expression simple et naïve, trouvée dans les dessins d'enfants. [\u2026] À une deuxième analyse, on peut découvrir une technique, qui prend comme base une grande maturité dans la pensée. Une compréhension profonde du traitement de l'aquarelle pour peindre une méthode personnelle à l'huile, structurée en formes décoratives, a permis à Klee de se démarquer dans l'art contemporain et de le rendre incomparable.D'un autre côté, son expérience a été adoptée au cours des 30 dernières années par de nombreux autres artistes comme base pour de nouvelles créations dans les domaines les plus différents en peinture. Son extrême productivité ne montre jamais de signes de répétition, comme c'est généralement le cas. Il avait tellement à dire qu'un Klee n'est jamais devenu un autre Klee. "[89]

L'un des tableaux de Klee, Angelus Novus, a fait l'objet d'un texte interprétatif du philosophe et critique littéraire allemand Walter Benjamin, qui a acheté le tableau en 1921. Dans ses « Thèses sur la philosophie de l'histoire », Benjamin suggère que l'ange représenté dans le tableau pourrait être considéré comme représentant l'ange de l'histoire.

Interprétations musicales

Zentrum Paul Klee à Berne, Suisse, conçu par Renzo Piano
Contrairement à son goût pour les expériences modernes et aventureuses de la peinture, Klee, bien que doué pour la musique, était attiré par les traditions musicales plus anciennes ; il n'appréciait ni les compositeurs de la fin du XIXe siècle, tels que Wagner, Bruckner et Mahler, ni la musique contemporaine. Bach et Mozart étaient pour lui les plus grands compositeurs ; il aimait le plus jouer les œuvres de ce dernier.[19]

L'œuvre de Klee a influencé des compositeurs tels que l'Argentin Roberto García Morillo en 1943, avec Tres pinturas de Paul Klee. D'autres incluent le compositeur américain David Diamond en 1958, avec l'Opus Welt von Paul Klee (Le monde de Paul Klee). Gunther Schuller a composé sept études sur des thèmes de Paul Klee dans les années 1959/60, comprenant des harmonies antiques, un trio abstrait, un petit diable bleu, une machine à Twitter, un village arabe, un moment étrange et une pastorale. Le compositeur espagnol Benet Casablancas a écrit Alter Klang, Impromptu for Orchestra after Klee (2006) ;[91][92] Casablancas est également l'auteur du Retablo sur des textes de Paul Klee, Cantata da Camera for Soprano, Mezzo and Piano (2007). [93][94] En 1950, Giselher Klebe a interprété son œuvre orchestrale Die Zwitschermaschine avec le sous-titre Metamorphosen über das Bild von Paul Klee au Donaueschinger Musiktage.[95] 8 Pieces on Paul Klee est le titre du premier album de l'Ensemble Sortisatio, enregistré en février et mars 2002 à Leipzig et en août 2002 à Lucerne, en Suisse. La composition "Wie der Klee vierblättrig wurde" (Comment le trèfle est devenu à quatre feuilles) a été inspirée par l'aquarelle Hat Kopf, Hand, Fuss und Herz (1930), Angelus Novus et Hauptweg und Nebenwege.

En 1968, un groupe de jazz appelé The National Gallery avec le compositeur Chuck Mangione a sorti l'album Performing Musical Interpretations of the Paintings of Paul Klee.[96] En 1995, le cinéaste expérimental grec Kostas Sfikas a créé un film entièrement basé sur les peintures de Paul Klee. Le film s'intitule "Paul Klee's Prophetic Bird of Sorrows", et tire son titre de Klee's Landscape with Yellow Birds. Il a été réalisé à partir de portions et de découpes des peintures de Paul Klee. Le réalisateur Vassilis Mazomenos était le concepteur de la production du film.[97]

https://en.wikipedia.org/wiki/Paul_Klee

Image libre Paul Klee (1879 - 1940) intégré aux applications Web OffiDocs