Dan Flavin (1933 - 1996)
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„An Licht mag man eigentlich nicht denken, aber ich tue es. ~Dan FlavinDaniel Nicholas Flavin Jr. wurde in Jamaika, New York, irisch-katholischer Abstammung geboren und auf katholische Schulen geschickt.[1] Er studierte zwischen 1947 und 1952 für das Priestertum am Immaculate Conception Preparatory Seminary in Brooklyn, bevor er sich seinem Zwillingsbruder David John Flavin anschloss und sich der United States Air Force anschloss.[2] Während des Militärdienstes im Jahr 1954\u201355 wurde Flavin als Techniker für Luftwettermeteorologie ausgebildet[3] und studierte Kunst im Rahmen des Erwachsenenbildungsprogramms der University of Maryland in Korea.[4] Nach seiner Rückkehr nach New York 1956 besuchte Flavin kurz die Hans Hofmann School of Fine Arts und studierte Kunst bei Albert Urban. Später studierte er kurz Kunstgeschichte an der New School for Social Research, wechselte dann an die Columbia University, wo er Malerei und Zeichnung studierte.[5]
Ab 1959 war Flavin kurzzeitig als Postbeamter am Guggenheim Museum und später als Wachmann und Aufzugsführer am Museum of Modern Art beschäftigt, wo er Sol LeWitt, Lucy Lippard und Robert Ryman kennenlernte.[6] Zwei Jahre später heiratete er seine erste Frau Sonja Severdija, eine Studentin der Kunstgeschichte an der New York University und stellvertretende Büroleiterin am Museum of Modern Art.[7] Flavins Zwillingsbruder David starb 1962.[8]
Flavin heiratete 1992 in einer Zeremonie im Guggenheim Museum seine zweite Frau, die Künstlerin Tracy Harris.[9]
Flavin starb in Riverhead, New York, an den Folgen von Diabetes.[10] Ein Denkmal für ihn wurde am 23. Januar 1997 im Dia Center for the Arts abgehalten. Zu den Rednern gehörten Brydon Smith, Kurator für Kunst des 20. Jahrhunderts an der National Gallery of Canada, Ottawa; Fariha Friedrich, Dia-Treuhänderin, und Michael Venezia, Künstler.[11]
Der Nachlass des Künstlers wird vertreten durch David Zwirner, New York.
Frühe Arbeit
Flavins erste Werke waren Zeichnungen und Gemälde, die den Einfluss des Abstrakten Expressionismus widerspiegelten. 1959 begann er, Assemblagen und Mixed-Media-Collagen zu erstellen, die gefundene Gegenstände von der Straße enthielten, insbesondere zerdrückte Dosen.[12][13]
Im Sommer 1961 begann Flavin, während er als Wächter am American Museum of Natural History in New York arbeitete, Skizzen für Skulpturen mit elektrischem Licht anzufertigen.[14] Die ersten Arbeiten mit elektrischem Licht waren seine "Icons"-Serie: acht farbige flache, kastenförmige quadratische Konstruktionen aus verschiedenen Materialien wie Holz, Resopal oder Masonite. Die vom Künstler und seiner damaligen Frau Sonja[15] konstruierten Ikonen hatten Leuchtstoffröhren mit an den Seiten angebrachten Glüh- und Leuchtstofflampen und manchmal abgeschrägte Kanten. Eine dieser Ikonen war Flavins Zwillingsbruder David gewidmet, der 1962 an Kinderlähmung starb.
Die Diagonal of Personal Ecstasy (Diagonal vom 25. Mai 1963), ein gelber Leuchtstoff, der in einem 45-Grad-Winkel vom Boden an einer Wand angebracht und 1963 fertiggestellt wurde, war Flavins erstes reifes Werk; es ist Constantin Brâncu\u0219i gewidmet und markiert den Beginn von Flavins ausschließlicher Verwendung von handelsüblichem Leuchtstofflicht als Medium. Etwas später besteht The Nominal Three (to William of Ockham) (1963) aus sechs vertikalen Leuchtstoffröhren an einer Wand, eine links, zwei in der Mitte, drei rechts, die alle weißes Licht emittieren.[18] Er beschränkte sich auf eine begrenzte Palette (Rot, Blau, Grün, Pink, Gelb, Ultraviolett und vier verschiedene Weißtöne[19]) und Form (gerade zwei-, vier-, sechs- und zweieinhalb Meter lange Röhren und, beginnend) 1972, Kreise).[20] In den folgenden Jahrzehnten verwendete er weiterhin fluoreszierende Strukturen, um Farbe, Licht und skulpturalen Raum in Werken zu erkunden, die die Innenräume von Galerien füllten. Er begann, Studioproduktionen zugunsten ortsspezifischer \u201e Situationen\u201d oder \u201cProposals\u201d abzulehnen (wie der Künstler es vorzog, seine Arbeit zu klassifizieren).[21] Diese Strukturen werfen sowohl Licht als auch einen unheimlichen Farbton, während sie eine Vielzahl von Formen annehmen, darunter "Eckstücke", "Barrieren" und "Korridore". Die meisten von Flavins Werken trugen keinen Titel, gefolgt von einer Widmung in Klammern an Freunde, Künstler, Kritiker und andere: Zu den bekanntesten zählen seine Monuments to V. Tatlin, eine Hommage an den russischen konstruktivistischen Bildhauer Vladimir Tatlin, eine Serie von insgesamt von fünfzig pyramidenförmigen Wandstücken[22], an denen er zwischen 1964 und 1990 weiterarbeitete.
Für eine Ausstellung im Van Abbemuseum, Eindhoven, Niederlande, im Jahr 1966 realisierte Flavin seine erste vollständige Installation, Grüns kreuzen Grüns (für Piet Mondrian, dem es an Grün mangelte).[23] Flavins "Korridore" zum Beispiel kontrollieren und behindern die Bewegung des Betrachters durch den Galerieraum. Sie haben unterschiedliche Formen: Einige werden von zwei Rücken an Rücken aneinanderstoßenden Leuchtenreihen halbiert, einer Trennwand, die von beiden Seiten angefahren, aber nicht durchdrungen werden kann (die Farbe der Lampen variiert von einer Seite zur anderen). Der erste derartige Korridor ohne Titel (für Jan und Ron Greenberg) wurde 1973 für eine Einzelausstellung im St. Louis Art Museum gebaut und ist einem lokalen Galeristen und seiner Frau gewidmet. Es ist grün und gelb; eine Lücke (die Breite eines einzelnen "fehlenden" Fixtures) enthüllt das Leuchten der Farbe jenseits der Trennlinie. In nachfolgenden vergitterten Korridoren führte Flavin regelmäßige Abstände zwischen den einzelnen Leuchten ein, wodurch die Sichtbarkeit des Lichts erhöht und die Farben gemischt werden konnten.[24]
Bis 1968 entwickelte Flavin seine Skulpturen zu raumgroßen Lichtwelten. In diesem Jahr skizzierte er auf der documenta 4 in Kassel eine ganze Galerie im ultravioletten Licht. 1992 wurde Flavins ursprüngliche Konzeption für ein Stück von 1971 in einer ortsspezifischen Installation vollständig umgesetzt, die anlässlich der Wiedereröffnung des Museums den gesamten Rundbau des Solomon R. Guggenheim Museums ausfüllte.
Flavin konzipierte seine Skulpturen in der Regel in Auflagen von drei oder fünf, wartete aber mit der Herstellung einzelner Werke bis zum Verkauf, um unnötige Produktions- und Lagerkosten zu vermeiden. Bis zum Verkauf existierten seine Skulpturen als Zeichnungen oder Ausstellungskopien. So hinterließ der Künstler bei seinem Tod 1,000 mehr als 1996 nicht realisierte Skulpturen.[25]
Festinstallationen
Ab 1975 installierte Flavin dauerhafte Werke in Europa und den USA, darunter "Untitled. In memory of Urs Graf" im Kunstmuseum Basel (konzipiert 1972, realisiert 1975);[26] Kröller-Müller Museum, Otterlo, Niederlande (1977 ); Hudson River Museum, Yonkers, New York (1979); US-Gerichtsgebäude, Anchorage, Alaska (1979\u201389); die Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Deutschland (1989); die Lobby des MetroTech Center (mit Skidmore, Owings & Merrill), Brooklyn, New York (1992); sieben Laternenpfähle vor der Städtischen Galerie im Lenbachhaus, München (1994); Hypovereinsbank, München (1995); Institut Arbeit und Technik/Wissenschaftspark, Gelsenkirchen, Deutschland (1996); und der Schweizerischen Unionsbank, Bern (1996). Weitere Orte für Flavins architektonische Eingriffe wurden die Grand Central Station in New York (201), der Hamburger Bahnhof in Berlin (201) und die Chinati Foundation in Marfa, Texas (1976). Anfang der 1996er Jahre begann seine großangelegte Arbeit in farbigem Neonlicht für sechs Gebäude der Chinati Foundation, die endgültigen Pläne wurden jedoch erst 2000 fertiggestellt.[1980] Sein letztes Kunstwerk war eine ortsspezifische Arbeit in Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa, Mailand, Italien. Die Kirche aus den 1996er Jahren wurde von Giovanni Muzio entworfen. Der Entwurf für das Stück wurde zwei Tage vor Flavins Tod am 27. November 1930 fertiggestellt. Die Installation wurde ein Jahr später mit Unterstützung des Dia Center for the Arts und der Fondazione Prada abgeschlossen.[29]
Die Menil Collection in Houston, Texas, gibt an, dass Dominique de Menil 1990 an Flavin herantrat, um eine permanente, ortsspezifische Installation in der Richmond Hall zu schaffen. Nur zwei Tage vor seinem Tod im November 1996 stellte Flavin den Entwurf für den Raum fertig. Das Atelier des Künstlers vollendete die Arbeit.[29]
Zeichnung
Flavin lebte in Wainscott und Garrison und zeichnete oft die umliegende Landschaft, sei es das Hudson Valley oder die Gewässer vor Long Island. Er schuf auch kleine Porträts und führte etwa 20 Zeitschriftenbände. Flavin sammelte auch Zeichnungen, darunter Werke von Künstlern der Hudson River School wie John Frederick Kensett, Jasper Francis Cropsey und Sanford Robinson Gifford sowie Beispiele für Papierarbeiten japanischer Künstler des frühen 19. Jahrhunderts wie Hokusai und europäischer Meister des 20. Jahrhunderts wie Piet Mondrian und George Grosz. Flavin tauschte auch Werke mit minimalistischen Kollegen wie Donald Judd und Sol LeWitt aus.[30]
Ausstellungen
Flavins erste Einzelausstellung, bei der nur fluoreszierendes Licht verwendet wurde, wurde 1964 in der Green Gallery eröffnet. Zwei Jahre später wurde seine erste europäische Ausstellung in der Galerie von Rudolf Zwirner in Köln eröffnet. Die erste große Retrospektive von Flavins Werk wurde 1969 von der National Gallery of Canada, Ottawa, organisiert. 1973 präsentierte das Saint Louis Art Museum gleichzeitige Ausstellungen seiner Arbeiten auf Papier und fluoreszierenden Skulpturen. Zu Flavins vielen bedeutenden Einzelausstellungen in Europa gehörten Ausstellungen im Kunstmuseum Basel und in der Kunsthalle Basel (1975), in der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden (1989) und im Städel, Frankfurt (1993).
In den späten 1970er Jahren begann er eine Partnerschaft mit der Dia Art Foundation, die zur Realisierung mehrerer ortsspezifischer Dauerinstallationen führte und zuletzt zur Organisation der Wanderausstellung Dan Flavin: A Retrospective (2004\u20132007) führte.[ 31] Flavins Retrospektive reiste ins Museum of Contemporary Art, Chicago; die Nationalgalerie, Washington, DC; das Museum für moderne Kunst, Fort Worth, Texas; Hayward-Galerie, London; Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris; Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Pinakothek der Moderne, München; und das Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles.[32][33] Diese Ausstellung war die erste umfassende Retrospektive, die seinem minimalistischen Werk gewidmet war. Die Ausstellung umfasste fast 45 Lichtarbeiten, darunter seine Serie "Icons". Die Präsentation des MCA umfasste die Nachbildung des abwechselnd rosa und "goldenen" Raums aus der ursprünglichen MCA-Ausstellung von 1967, Flavins erster Einzelausstellung im Museum.[34]
Seine erste Einzelausstellung in Lateinamerika fand 1998 in der Fundación Proa, Buenos Aires statt, organisiert mit der Dia Art Foundation (Dan Flavin. 1933-96).
Wahrnehmung
1964 erhielt Flavin auf Empfehlung von Marcel Duchamp eine Auszeichnung der William and Norma Copley Foundation, Chicago.[35] 1973 wurde er zum Albert Dorne Visiting Professor an der University of Bridgeport, Connecticut, ernannt und 1976 erhielt er die Skowhegan Medal of Sculpture der Skowhegan School of Painting and Sculpture, Maine.
1983 eröffnete das Dia Center for the Arts das Dan Flavin Art Institute in Bridgehampton, New York, eine Dauerausstellung seiner Werke, die der Künstler in einem umgebauten Feuerwehrhaus[36] gestaltete, das später ab 1924 als afroamerikanische Kirche diente bis Mitte der 201970er Jahre.[37] Flavin arbeitete bei der Renovierung und dem Design eng mit dem Architekten Richard Gluckman und Jim Schaeufele, dem Betriebsdirektor von Dia, zusammen.[2019] Hier werden Flavins Werke in "Räumen ohne Fenster oder mit indirektem Bezug zur äußeren Umgebung" ausgestellt.[38] Die Dauerausstellung besteht aus neun vollständig fluoreszierenden Werken, sechs davon in Farbe und drei, die Schaeufele in drei Weißtönen gewidmet sind, sowie eine Zeichnung für eine Ikone, nicht in der temporären Ausstellung, die seinem Zwillingsbruder David John gewidmet ist.[39]
Im Film Tower Heist aus dem Jahr 2011 schickte das Anwesen von Dan Flavin einen Experten, um den Bau einer Flavin-Lichtinstallation zu beaufsichtigen, die am Set nachgebaut wurde.[41]
2017 kündigte Galerist Vito Schnabel eine Zusammenarbeit mit dem Nachlass von Dan Flavin an. Gemeinsam mit dem Sohn des Künstlers, Stephen Flavin, präsentiert Schnabel die Lichtskulpturen des Minimalisten neben Werken europäischer Keramiker, die sein Vater bewundert und gesammelt hat. Die von Stephen Flavin kuratierte Schau ist das erste Mal, dass diese Werke aus dem Nachlass von Dan Flavin nebeneinander ausgestellt werden.[42]
Rezeption
Im Jahr 2004 veröffentlichten Ridinghouse und Thames & Hudson It Is What It Is: Dan Flavin Since 1964, das zum ersten Mal wichtige Essays über Flavin und Rezensionen seiner Ausstellungen versammelt. Es erstreckt sich über vier Jahrzehnte und zeigt die allmähliche Entwicklung des Konsenses über die Bedeutung seiner Kunst. Herausgegeben von Paula Feldman und Karsten Schubert enthält It Is What It Is Texte einiger der einflussreichsten Kunsthistoriker und Kritiker der Gegenwart, wie Donald Judd, Dore Ashton, Rosalind Krauss, Lawrence Alloway, Germano Celant, Holland Cotter.[43 ] Im Jahr 2010 schufen die Künstler Cindy Hinant und Nicolas Guagnini das Buch FLAV, das primäre Archivtexte und Korrespondenzen von und über Dan Flavin zusammenstellt, um eine Erzählung über die Persönlichkeit des Künstlers zu schaffen, die in der Arbeit nicht fehlt, wie Flavins Aussagen wie "It is was es ist, und es ist nichts anderes ... Alles wird klar, offen, klar geliefert."
Kunstmarkt
Jede der mehr als 750 Lichtskulpturen, die Dan Flavin entwarf – meist in Auflagen von drei oder fünf – wurde auf Karteikarten verzeichnet und abgelegt. Beim Verkauf erhielt der Käufer ein Zertifikat mit einer Zeichnung des Werkes, seinem Titel sowie der Unterschrift und dem Stempel des Künstlers. Wenn jemand mit einem Zertifikat und einem beschädigten Gerät auftauchte, würde Flavin es ersetzen.[46]
2004 wurde Flavins Werk Untitled ("Denkmal" für V. Tatlin) (1964\u20131965) bei Christie's, New York, für 735,500 Dollar verkauft.
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