Dan Flavin (1933 - 1996)
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"Pode-se não pensar na luz como uma questão de fato, mas eu penso. E é, como eu disse, uma arte tão clara, aberta e direta que você jamais encontrará." ~Dan Flavin See MoreDaniel Nicholas Flavin Jr. nasceu na Jamaica, Nova York, de ascendência católica irlandesa, e foi enviado para escolas católicas.[1] Ele estudou para o sacerdócio no Seminário Preparatório Imaculada Conceição no Brooklyn entre 1947 e 1952 antes de partir para se juntar a seu irmão gêmeo fraterno, David John Flavin, e se alistar na Força Aérea dos Estados Unidos.[2] Durante o serviço militar em 1954\u201355, Flavin foi treinado como técnico em meteorologia do ar[3] e estudou arte através do programa de extensão para adultos da Universidade de Maryland na Coréia.[4] Após seu retorno a Nova York em 1956, Flavin frequentou brevemente a Hans Hofmann School of Fine Arts e estudou arte com Albert Urban. Mais tarde, ele estudou história da arte por um curto período na New School for Social Research, depois mudou-se para a Columbia University, onde estudou pintura e desenho.[5]
A partir de 1959, Flavin foi logo empregado como balconista de correspondência no Museu Guggenheim e mais tarde como guarda e ascensorista no Museu de Arte Moderna, onde conheceu Sol LeWitt, Lucy Lippard e Robert Ryman.[6] Dois anos depois, casou-se com sua primeira esposa Sonja Severdija, estudante de história da arte na Universidade de Nova York e assistente administrativa do Museu de Arte Moderna.[7] O irmão gêmeo de Flavin, David, morreu em 1962.[8]
Flavin casou-se com sua segunda esposa, a artista Tracy Harris, em uma cerimônia no Museu Guggenheim, em 1992.[9]
Flavin morreu em Riverhead, Nova York, de complicações do diabetes.[10] Um memorial para ele foi realizado no Dia Centre for the Arts, em 23 de janeiro de 1997. Os palestrantes incluíram Brydon Smith, curador de arte do século 20 na National Gallery of Canada, Ottawa; Fariha Friedrich, um administrador do Dia, e Michael Venezia, um artista.[11]
O espólio do artista é representado por David Zwirner, Nova York.
Trabalho cedo
Os primeiros trabalhos de Flavin foram desenhos e pinturas que refletiam a influência do expressionismo abstrato. Em 1959, ele começou a fazer montagens e colagens de mídia mista que incluíam objetos encontrados nas ruas, especialmente latas amassadas.[12][13]
No verão de 1961, enquanto trabalhava como guarda no Museu Americano de História Natural em Nova York, Flavin começou a fazer esboços para esculturas que incorporavam luzes elétricas.[14] Os primeiros trabalhos a incorporar a luz elétrica foram sua série "Ícones": oito construções quadradas rasas e coloridas, feitas de vários materiais, como madeira, fórmica ou masonita. Construídos pelo artista e sua então esposa Sonja,[15] os Icons tinham tubos fluorescentes com lâmpadas incandescentes e fluorescentes presas em seus lados e, às vezes, bordas chanfradas. Um desses ícones foi dedicado ao irmão gêmeo de Flavin, David, que morreu de poliomielite em 1962.
A Diagonal of Personal Ecstasy (a Diagonal de 25 de maio de 1963), uma fluorescente amarela colocada em uma parede em um ângulo de 45 graus do chão e concluída em 1963, foi o primeiro trabalho maduro de Flavin; é dedicado a Constantin Brâncu\u0219i e marca o início do uso exclusivo de Flavin de luz fluorescente comercialmente disponível como meio. Um pouco mais tarde, The Nominal Three (para William of Ockham) (1963) consiste em seis tubos fluorescentes verticais em uma parede, um à esquerda, dois no centro, três à direita, todos emitindo luz branca.[18] Ele se limitou a uma paleta limitada (vermelho, azul, verde, rosa, amarelo, ultravioleta e quatro brancos diferentes[19]) e forma (tubos retos de dois, quatro, seis e oito pés, e, começando em 1972, círculos).[20] Nas décadas que se seguiram, continuou a usar estruturas fluorescentes para explorar a cor, a luz e o espaço escultórico, em obras que enchiam os interiores das galerias. Passou a rejeitar a produção em estúdio em favor de \u201csituações\u201d ou \u201cpropostas\u201d site-specific (como o artista preferia classificar seu trabalho).[21] Essas estruturas lançam luz e sombras estranhamente coloridas, enquanto assumem uma variedade de formas, incluindo "peças de canto", "barreiras" e "corredores". A maioria das obras de Flavin não tinha título, seguida por uma dedicatória entre parênteses a amigos, artistas, críticos e outros: os mais famosos deles incluem seus Monumentos a V. Tatlin, uma homenagem ao escultor construtivista russo Vladimir Tatlin, uma série de um total de cinquenta peças de parede piramidal[22] nas quais continuou a trabalhar entre 1964 e 1990.
Flavin realizou sua primeira instalação completa, greens crossing greens (para Piet Mondrian que não tinha verde), para uma exposição no Van Abbemuseum, Eindhoven, Holanda, em 1966.[23] Os "corredores" de Flavin, por exemplo, controlam e impedem o movimento do espectador pelo espaço da galeria. Eles assumem várias formas: alguns são divididos ao meio por duas fileiras de luminárias encostadas, um divisor que pode ser abordado de ambos os lados, mas não penetrado (a cor das lâmpadas difere de um lado para o outro). O primeiro desses corredores, sem título (para Jan e Ron Greenberg), foi construído para uma exposição individual em 1973 no Museu de Arte de St. Louis e é dedicado a um galerista local e sua esposa. É verde e amarelo; uma lacuna (a largura de um único acessório "ausente") revela o brilho do elenco da cor além da divisória. Nos corredores barrados subsequentes, Flavin introduziria espaçamento regular entre as luminárias individuais, aumentando assim a visibilidade da luz e permitindo que as cores se misturassem.[24]
Em 1968, Flavin havia desenvolvido suas esculturas em ambientes de luz do tamanho de uma sala. Naquele ano, ele delineou uma galeria inteira em luz ultravioleta na documenta 4 em Kassel, Alemanha. Em 1992, a concepção original de Flavin para uma peça de 1971 foi totalmente realizada em uma instalação site-specific que encheu toda a rotunda do Museu Solomon R. Guggenheim por ocasião da reabertura do museu.
Flavin geralmente concebia suas esculturas em edições de três ou cinco, mas esperava para criar obras individuais até que fossem vendidas para evitar custos desnecessários de produção e armazenamento. Até o ponto de venda, suas esculturas existiam como desenhos ou cópias de exposição. Como resultado, o artista deixou para trás mais de 1,000 esculturas não realizadas quando morreu em 1996.[25]
Instalações permanentes
A partir de 1975, Flavin instalou obras permanentes na Europa e nos Estados Unidos, incluindo "Sem título. Em memória de Urs Graf" no Kunstmuseum Basel (concebido em 1972, realizado em 1975);[26] o Museu Kröller-Müller, Otterlo, Holanda (1977 ); Museu do Rio Hudson, Yonkers, Nova York (1979); Tribunal dos Estados Unidos, Anchorage, Alasca (1979\u201389); a Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Alemanha (1989); o saguão do MetroTech Center (com Skidmore, Owings & Merrill), Brooklyn, Nova York (1992); sete postes de luz fora da Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munique (1994); Hypovereinsbank, Munique (1995); Institut Arbeit und Technik/Wissenschaftspark, Gelsenkirchen, Alemanha (1996); e o Union Bank of Switzerland, Berna (1996). Locais adicionais para as \u201cintervenções\u201d arquitetônicas de Flavin se tornaram a Grand Central Station em Nova York (1976), a Hamburger Bahnhof em Berlim (1996) e a Chinati Foundation em Marfa, Texas (2000). Seu trabalho em larga escala em luz fluorescente colorida para seis edifícios na Fundação Chinati foi iniciado no início dos anos 1980, embora os planos finais não tenham sido concluídos até 1996.[27] Sua última obra foi um trabalho site-specific em Santa Maria Annunciata em Chiesa Rossa, Milão, Itália. A igreja da década de 1930 foi projetada por Giovanni Muzio. O projeto da peça foi concluído dois dias antes da morte de Flavin em 29 de novembro de 1996. Sua instalação foi concluída um ano depois com a assistência do Dia Center for the Arts e da Fondazione Prada.[28]
A Menil Collection em Houston, Texas, afirma que em 1990 Dominique de Menil se aproximou de Flavin para criar uma instalação permanente e específica do local em Richmond Hall. Apenas dois dias antes de sua morte, em novembro de 1996, Flavin completou o projeto do espaço. O estúdio do artista completou o trabalho.[29]
desenho
Vivendo em Wainscott e Garrison, Flavin frequentemente desenhava a paisagem ao redor, fosse o Vale do Hudson ou as águas de Long Island. Ele também criou pequenos retratos e manteve cerca de 20 volumes de diários. Flavin também colecionava desenhos, incluindo obras de artistas da Hudson River School, como John Frederick Kensett, Jasper Francis Cropsey e Sanford Robinson Gifford, além de exemplos de trabalhos em papel de artistas japoneses do início do século 19, como Hokusai, e mestres europeus do século 20, como Piet Mondrian e George Grosz. Flavin também trocou trabalhos com colegas minimalistas como Donald Judd e Sol LeWitt.[30]
exposições
A primeira exposição individual de Flavin usando apenas luz fluorescente foi inaugurada na Green Gallery em 1964. Dois anos depois, sua primeira exposição européia foi aberta na galeria de Rudolf Zwirner em Colônia, Alemanha. A primeira grande retrospectiva da obra de Flavin foi organizada pela National Gallery of Canada, Ottawa, em 1969. Em 1973, o Saint Louis Art Museum apresentou exposições simultâneas de seus trabalhos em papel e esculturas fluorescentes. Entre as muitas exposições individuais significativas de Flavin na Europa estavam mostras no Kunstmuseum Basel e Kunsthalle Basel (1975), no Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden (1989) e no Städel, Frankfurt (1993).
No final da década de 1970, iniciou uma parceria com a Dia Art Foundation que resultou na realização de várias instalações site-specific permanentes e levou mais recentemente à organização da exposição itinerante Dan Flavin: A Retrospective (2004\u20132007).[ 31] A exposição retrospectiva de Flavin viajou para o Museu de Arte Contemporânea de Chicago; a Galeria Nacional de Arte, Washington, DC; o Museu de Arte Moderna, Fort Worth, Texas; Hayward Gallery, Londres; Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris; Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Pinakothek der Moderne, Munique; e o Museu de Arte do Condado de Los Angeles, Los Angeles.[32][33] Esta exposição foi a primeira retrospectiva abrangente dedicada ao seu trabalho minimalista. A exposição incluiu cerca de 45 obras de luz, incluindo sua série "ícones". A apresentação do MCA incluiu a recriação da sala alternada rosa e "dourada" da exposição original do MCA em 1967, a primeira exposição individual de Flavin em museu.[34]
Sua primeira exposição individual na América Latina foi realizada na Fundación Proa, Buenos Aires, em 1998, organizada com a Dia Art Foundation (Dan Flavin. 1933-96).
Reconhecimento
Em 1964, Flavin recebeu um prêmio da William and Norma Copley Foundation, Chicago, com recomendação de Marcel Duchamp.[35] Em 1973, ele foi nomeado Professor Visitante Albert Dorne na Universidade de Bridgeport, Connecticut, e em 1976, ele recebeu a Medalha de Escultura Skowhegan da Escola de Pintura e Escultura Skowhegan, Maine.
Em 1983, o Dia Center for the Arts abriu o Dan Flavin Art Institute em Bridgehampton, Nova York, uma exposição permanente de suas obras, projetadas pelo artista em um quartel convertido [36] que mais tarde serviu como uma igreja afro-americana a partir de 1924 até meados da década de 201970.[37] Flavin trabalhou em estreita colaboração com o arquiteto Richard Gluckman e Jim Schaeufele, diretor de operações da Dia\u2019, na renovação e design.[38] Aqui, as obras de Flavin são exibidas em "salas sem janelas ou com uma relação indireta com o ambiente externo". bem como um desenho para um ícone, não presente na exposição temporária, dedicado ao seu irmão gémeo fraterno, David John.[39]
No filme Tower Heist de 2011, a propriedade de Dan Flavin enviou um especialista para supervisionar a construção de uma instalação de luz de Flavin que foi recriada no set.[41]
Em 2017, o galerista Vito Schnabel anunciou uma colaboração com o espólio de Dan Flavin. Schnabel está se unindo ao filho do artista, Stephen Flavin, para apresentar as esculturas de luz do minimalista ao lado de obras de ceramistas europeus admirados e colecionados por seu pai. A mostra, com curadoria de Stephen Flavin, marca a primeira vez que essas obras do espólio de Dan Flavin foram exibidas lado a lado.[42]
Recepção
Em 2004, Ridinghouse e Thames & Hudson publicaram It Is What It Is: Dan Flavin Since 1964, que reúne pela primeira vez ensaios importantes sobre Flavin e resenhas de suas exposições. Abrangendo quatro décadas, ele traça a evolução gradual do consenso sobre o significado de sua arte. Editado por Paula Feldman e Karsten Schubert, It Is What It Is inclui textos de alguns dos mais influentes historiadores e críticos de arte da atualidade, como Donald Judd, Dore Ashton, Rosalind Krauss, Lawrence Alloway, Germano Celant, Holland Cotter.[43] ] Em 2010, os artistas Cindy Hinant e Nicolas Guagnini criaram o livro FLAV que reúne textos primários de arquivo e correspondências de e sobre Dan Flavin para criar uma narrativa sobre a personalidade do artista que não está ausente da obra como sugerem afirmações de Flavin como "É o que é, e não é nada mais... Tudo é claramente, abertamente, claramente entregue."
Mercado de arte
Cada uma das mais de 750 esculturas de luz que Dan Flavin projetou - geralmente em edições de três ou cinco - foram listadas em fichas e arquivadas. Ao ser vendida, o comprador recebia um certificado contendo o diagrama da obra, seu título e a assinatura e carimbo do artista. Se alguém aparecesse com um certificado e um aparelho danificado, Flavin o substituiria.[46]
Em 2004, o trabalho de Flavin Sem título ("monumento" para V. Tatlin) (1964\u20131965) foi vendido por US$ 735,500 na Christie's, em Nova York.
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