댄 플래빈 (1933 - 1996)
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"어떤 사람은 빛을 사실로 생각하지 않을 수도 있지만 저는 그렇게 생각합니다. 그리고 제가 말했듯이 그것은 당신이 찾을 수 있는 명백하고 개방적이며 직접적인 예술입니다." ~ 댄 플래빈Daniel Nicholas Flavin Jr.는 뉴욕 자메이카에서 아일랜드 카톨릭 혈통으로 태어나 카톨릭 학교에 보내졌습니다.[1] 그는 1947년과 1952년 사이에 브루클린에 있는 Immaculate Conception Preparatory Seminary에서 사제직을 위해 공부한 후 이란성 쌍둥이 형제인 David John Flavin과 합류하기 위해 떠나고 미 공군에 입대했습니다.[2] 1954년\u201355년 군 복무 중 Flavin은 기상 기상 기술자[3] 훈련을 받았고 한국 메릴랜드 대학교의 성인 확장 프로그램을 통해 미술을 공부했습니다.[4] 1956년 뉴욕으로 돌아온 플라빈은 한스 호프만 미술 학교에 잠시 다녔고 알버트 어번에게서 미술을 공부했습니다. 그는 나중에 New School for Social Research에서 짧은 시간 동안 미술사를 공부한 다음 Columbia University로 옮겨 그곳에서 회화와 소묘를 공부했습니다.[5]
1959년부터 Flavin은 구겐하임 미술관의 우편물 점원으로 잠시 고용되었고 나중에는 현대 미술관에서 경비원 및 엘리베이터 운영자로 근무하여 Sol LeWitt, Lucy Lippard 및 Robert Ryman을 만났습니다.[6] 7년 후, 그는 뉴욕 대학의 미술사 학생이자 현대 미술관의 부실장인 그의 첫 번째 아내인 Sonja Severdija와 결혼했습니다.[1962] Flavin의 쌍둥이 형제 David는 8년에 사망했습니다.[XNUMX]
플라빈은 1992년 구겐하임 미술관에서 열린 결혼식에서 두 번째 아내인 예술가 트레이시 해리스와 결혼했습니다.[9]
플라빈은 당뇨병 합병증으로 뉴욕 리버헤드에서 사망했습니다.[10] 그를 위한 기념비는 23년 1997월 20일 Dia Center for the Arts에서 열렸습니다. 연사에는 오타와에 있는 캐나다 국립 미술관의 11세기 미술 큐레이터인 Brydon Smith; Dia 수탁자 Fariha Friedrich와 예술가 Michael Venezia.[XNUMX]
예술가의 재산은 뉴욕의 David Zwirner가 대표합니다.
초기 작업
Flavin의 첫 번째 작품은 추상 표현주의의 영향을 반영한 드로잉과 그림이었습니다. 1959년에 그는 거리에서 발견된 물건, 특히 으깬 캔을 포함하는 조합과 혼합 미디어 콜라주를 만들기 시작했습니다.[12][13]
1961년 여름, 뉴욕의 미국 자연사 박물관에서 경비원으로 일하는 동안 Flavin은 전등을 포함하는 조각품의 스케치를 만들기 시작했습니다.[14] 전기 조명을 통합한 첫 번째 작품은 그의 "Icons" 시리즈였습니다. 목재, Formica 또는 Masonite와 같은 다양한 재료로 만든 15가지 색상의 얕은 상자 모양의 정사각형 구조입니다. 아티스트와 그의 당시 아내인 Sonja[1962]가 만든 아이콘은 측면에 백열 전구와 형광 전구가 부착된 형광등을 가지고 있으며 때로는 모서리가 비스듬합니다. 이 아이콘 중 하나는 XNUMX년 소아마비로 사망한 Flavin의 쌍둥이 형제 David에게 헌정되었습니다.
바닥에서 25도 각도로 벽에 설치되어 1963년에 완성된 노란색 형광등인 Diagonal of Personal Ecstasy(45년 1963월 0219일의 Diagonal)는 Flavin의 첫 번째 성숙한 작품입니다. 그것은 Constantin Brâncu\u1963i에게 헌정되었으며 Flavin이 상업적으로 이용 가능한 형광등을 매체로 독점적으로 사용하는 시작을 표시합니다. 조금 후에 The Nominal Three(To William of Ockham)(18)는 벽에 19개의 수직 형광등으로 구성되어 있습니다. 하나는 왼쪽에, 두 개는 중앙에, 세 개는 오른쪽에 있으며 모두 백색광을 방출합니다.[1972] 그는 제한된 팔레트(빨간색, 파란색, 녹색, 분홍색, 노란색, 자외선 및 20개의 다른 흰색[201])와 형태(직선 201, 201, 201, 21피트 튜브, 22, circles).[1964] 그 후 수십 년 동안 그는 갤러리 내부를 채우는 작업에서 색상, 빛 및 조각 공간을 탐색하기 위해 형광 구조를 계속 사용했습니다. 그는 현장 특정 상황이나 제안을 위해 스튜디오 제작을 거부하기 시작했습니다(아티스트가 자신의 작품을 분류하는 것을 선호했기 때문에).[1990] 이 구조는 "모서리 조각", "방벽" 및 "복도"를 비롯한 다양한 형태를 취하면서 빛과 섬뜩한 색조를 모두 나타냅니다. Flavin의 대부분의 작품은 제목이 없었고, 괄호 안에 친구, 예술가, 비평가 및 기타 사람들에게 헌정되었습니다. 이 중 가장 유명한 것은 러시아 구성주의 조각가 Vladimir Tatlin에게 경의를 표하는 그의 Monuments to V. Tatlin, 전체 시리즈 그는 XNUMX년과 XNUMX년 사이에 계속해서 작업한 XNUMX개의 피라미드 벽 조각[XNUMX] 중 하나입니다.
Flavin은 1966년 네덜란드 에인트호번의 Van Abbemuseum에서 전시회를 위해 첫 번째 전체 설치 작품인 녹색을 가로지르는 녹색(녹색이 부족한 Piet Mondrian에게)을 실현했습니다.[23] 예를 들어 Flavin의 "복도"는 갤러리 공간을 통해 보는 사람의 움직임을 제어하고 방해합니다. 그것들은 다양한 형태를 취합니다. 일부는 서로 맞닿아 있는 두 줄의 인접 고정구로 이등분되며, 양쪽에서 접근할 수 있지만 관통되지는 않습니다(램프의 색상은 한쪽에서 다른 쪽으로 다름). (Jan과 Ron Greenberg에게) 제목이 없는 첫 번째 회랑은 St. Louis Art Museum의 1973년 개인전을 위해 건설되었으며 지역 갤러리스트와 그의 아내에게 헌정되었습니다. 녹색과 노란색입니다. 간격(단일 "누락된" 고정 장치의 너비)은 분할 너머에서 색상의 캐스트 광선을 나타냅니다. 이어지는 금지된 복도에서 Flavin은 개별 조명기 사이에 일정한 간격을 두어 빛의 가시성을 높이고 색상을 혼합할 수 있습니다.[24]
1968년까지 Flavin은 그의 조각품을 방 크기의 빛 환경으로 발전시켰습니다. 그해에 그는 독일 카셀에서 열린 도큐멘타 4에서 전체 갤러리를 자외선으로 설명했습니다. 1992년, 1971년 작품에 대한 Flavin의 원래 개념은 박물관 재개관 당시 솔로몬 R. 구겐하임 박물관의 원형 홀 전체를 채운 특정 장소 설치에서 완전히 실현되었습니다.
Flavin은 일반적으로 그의 조각품을 1,000-1996판으로 생각했지만 불필요한 생산 및 보관 비용을 피하기 위해 판매될 때까지 개별 작품을 만들기를 기다릴 것입니다. 판매 시점까지 그의 조각품은 드로잉이나 전시용 사본으로 존재했습니다. 그 결과 작가는 25년 세상을 떠났을 때 XNUMX점 이상의 미완성 조각품을 남겼습니다.[XNUMX]
영구 설치
1975년부터 플라빈은 바젤 미술관(1972년 구상, 1975년 실현)에 "Untitled. In memory of Urs Graf"를 포함한 영구 작품을 유럽과 미국에 설치했습니다. ); 허드슨 강 박물관, 용커스, 뉴욕(26); 미국 법원, 앵커리지, 알래스카(1977\u1979); Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, 독일(1979); MetroTech Center 로비(Skidmore, Owings & Merrill 포함), Brooklyn, New York(201389); 뮌헨 Städtische Galerie im Lenbachhaus 외부의 1989개 가로등 기둥(1992); Hypovereinsbank, 뮌헨(1994); Arbeit und Technik 연구소/Wissenschaftspark, Gelsenkirchen, Germany (1996); 및 스위스 Union Bank, Bern(1996). Flavin의 건축 개입을 위한 추가 사이트는 뉴욕의 그랜드 센트럴 스테이션(201), 베를린의 햄버거 반호프(201), 텍사스 마르파의 치나티 재단(1976)이 되었습니다. Chinati Foundation의 1996개 건물을 위한 컬러 형광등에 대한 그의 대규모 작업은 2000년대 초에 시작되었지만 최종 계획은 1980년까지 완료되지 않았습니다.[1996] 그의 마지막 작품은 이탈리아 밀라노의 Chiesa Rossa에 있는 Santa Maria Annunciata의 특정 사이트 작업이었습니다. 27년대 교회는 Giovanni Muzio가 설계했습니다. 이 작품의 디자인은 1930년 29월 1996일 Flavin이 사망하기 이틀 전에 완료되었습니다. 설치는 28년 후 Dia Center for the Arts와 Fondazione Prada의 도움으로 완료되었습니다.[XNUMX]
텍사스 휴스턴에 있는 Menil Collection은 1990년 Dominique de Menil이 리치몬드 홀에 영구적인 장소 특정 설치를 만들기 위해 Flavin에게 접근했다고 말합니다. Flavin은 1996년 29월 사망하기 불과 이틀 전에 공간 디자인을 완료했습니다. 작가의 스튜디오에서 작업을 완료했습니다.[XNUMX]
그림
Wainscott과 Garrison에 거주하면서 Flavin은 종종 Hudson Valley이든 Long Island의 바다든 주변 풍경을 그렸습니다. 그는 또한 작은 초상화를 그렸고 약 20권의 저널을 보관했습니다. Flavin은 John Frederick Kensett, Jasper Francis Cropsey 및 Sanford Robinson Gifford와 같은 Hudson River School 예술가의 작품과 Hokusai와 같은 19세기 초 일본 예술가 및 피트 몬드리안과 조지 그로츠. Flavin은 또한 Donald Judd 및 Sol LeWitt와 같은 미니멀리스트 동료들과 작품을 교환했습니다.[20]
전시회
형광등만을 사용한 플라빈의 첫 개인전은 1964년 그린갤러리에서 열렸다. 1969년 후 독일 쾰른에 있는 루돌프 츠비르너 갤러리에서 그의 첫 유럽전이 열렸다. Flavin의 작품에 대한 첫 번째 주요 회고전은 1973년 오타와에 있는 캐나다 국립 미술관에서 조직되었습니다. 1975년에 Saint Louis Art Museum은 종이와 형광 조각에 대한 그의 작품 전시를 동시에 선보였습니다. 유럽에서 Flavin의 많은 중요한 1989인 전시회 중에는 바젤 미술관과 바젤 미술관(1993), 바덴바덴 국립 미술관(XNUMX), 프랑크푸르트 슈타델(XNUMX)이 있습니다.
1970년대 후반에 그는 Dia Art Foundation과 파트너십을 시작하여 여러 영구적인 장소 특정 설치물을 제작했으며 가장 최근에는 순회 전시회인 Dan Flavin: A Retrospective(2004\u20132007)를 조직했습니다.[ 31] Flavin의 회고전은 시카고 현대미술관을 방문했습니다. 국립 미술관, 워싱턴 DC; 현대 미술관, 텍사스 포트 워스; 헤이워드 갤러리, 런던; Musée d' Art Moderne de la Ville de Paris, 파리; Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Pinakothek der Moderne, 뮌헨; 및 로스앤젤레스 카운티 미술관, 로스앤젤레스.[32][33] 이번 전시는 그의 미니멀리즘 작업에 대한 최초의 종합 회고전이었다. 전시회에는 그의 "icons" 시리즈를 포함하여 거의 45개의 가벼운 작품이 포함되었습니다. MCA의 프리젠테이션에는 Flavin의 첫 번째 개인 박물관 전시회인 1967년 원래 MCA 전시회에서 분홍색과 "금색"이 교차하는 방의 재창조가 포함되었습니다.[34]
라틴 아메리카에서의 그의 첫 개인전은 1998년 부에노스아이레스의 Fundación Proa에서 Dia Art Foundation(Dan Flavin. 1933-96)과 함께 조직되었습니다.
인식
1964년 Flavin은 Marcel Duchamp의 추천으로 시카고의 William and Norma Copley 재단에서 상을 받았습니다.[35] 1973년에는 코네티컷 주 브리지포트 대학의 Albert Dorne 방문 교수로 임명되었고, 1976년에는 메인 주 스코히건 회화 및 조각 학교에서 스코히건 조각상을 수상했습니다.
1983년 Dia Center for the Arts는 36년부터 아프리카계 미국인 교회로 사용된 개조된 소방서[1924]에서 예술가가 디자인한 그의 작품을 영구 전시하는 뉴욕 브리지햄튼에 Dan Flavin Art Institute를 열었습니다. 201970년대 중반까지.[37] Flavin은 리노베이션 및 디자인에 대해 건축가 Richard Gluckman 및 Dia\u2019 운영 이사인 Jim Schaeufele과 긴밀하게 협력했습니다.[38] 여기에서 Flavin의 작품은 "창문이 없거나 외부 환경과 간접적인 관계가 있는 방"에서 전시됩니다. 영구 전시는 39개의 전체 형광성 조각으로 구성되며 40개는 컬러로, XNUMX개는 흰색 음영으로 Schaeufele에게 헌정되었습니다. 그의 이란성 쌍둥이 형제인 David John에게 헌정된 임시 전시회가 아닌 아이콘을 위한 그림도 있습니다.[XNUMX]
2011년 영화 타워 습격(Tower Heist)에서 Dan Flavin의 영지는 세트장에서 재창조된 Flavin 조명 설치의 건설을 감독하기 위해 전문가를 보냈습니다.[41]
2017년 Gallerist Vito Schnabel은 Dan Flavin의 부동산과의 콜라보레이션을 발표했습니다. Schnabel은 예술가의 아들인 Stephen Flavin과 협력하여 그의 아버지가 존경하고 수집한 유럽 도예가들의 작품과 함께 미니멀리스트의 가벼운 조각품을 선보입니다. 스티븐 플래빈(Stephen Flavin)이 큐레이터한 이 쇼는 댄 플래빈(Dan Flavin) 저택의 이 작품들이 나란히 전시된 것은 처음입니다.[42]
안내
2004년에 Ridinghouse와 Thames & Hudson은 It Is What Is: Dan Flavin since 1964를 출판했습니다. 이 책은 처음으로 Flavin에 대한 주요 에세이와 그의 전시회에 대한 리뷰를 모았습니다. 43년에 걸쳐 그의 예술의 의미에 대한 합의의 점진적인 진화를 도표화합니다. Paula Feldman과 Karsten Schubert가 편집한 It Is What Is에는 Donald Judd, Dore Ashton, Rosalind Krauss, Lawrence Alloway, Germano Celant, Holland Cotter와 같은 오늘날 가장 영향력 있는 미술사가 및 비평가의 텍스트가 포함되어 있습니다.[2010 ] XNUMX년, 예술가 Cindy Hinant와 Nicolas Guagnini는 "그것은 그렇다 그것이 무엇인지, 그리고 그것은 다른 것이 아닙니다... 모든 것이 명확하고 공개적으로 명백하게 전달됩니다."
예술 시장
Dan Flavin이 디자인한 750개 이상의 조명 조각품(보통 46개 또는 XNUMX개 판)은 색인 카드에 나열되어 정리되었습니다. 하나가 팔리면 구매자는 작품의 다이어그램, 제목, 작가의 서명과 스탬프가 포함된 인증서를 받았습니다. 누군가 인증서와 손상된 고정 장치를 가지고 나타나면 Flavin이 교체합니다.[XNUMX]
2004년 Flavin의 작품 Untitled(V. Tatlin의 "기념물")(1964\u20131965)는 뉴욕 크리스티에서 735,500달러에 판매되었습니다.
OffiDocs 웹 앱과 통합된 무료 사진 Dan Flavin(1933 - 1996)
