Dan Flavin (1933 - 1996)
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"On pourrait ne pas penser à la lumière en fait, mais je le fais. Et c'est, comme je l'ai dit, un art aussi simple, ouvert et direct que vous ne le trouverez jamais." ~Dan FlavinDaniel Nicholas Flavin Jr. est né à la Jamaïque, New York, d'origine irlandaise catholique, et a été envoyé dans des écoles catholiques.[1] Il a étudié pour la prêtrise au séminaire préparatoire de l'Immaculée Conception à Brooklyn entre 1947 et 1952 avant de partir rejoindre son frère jumeau, David John Flavin, et de s'enrôler dans l'US Air Force.[2] Pendant son service militaire en 1954\u201355, Flavin a suivi une formation de technicien en météorologie aérienne[3] et a étudié l'art dans le cadre du programme d'extension pour adultes de l'Université du Maryland en Corée.[4] À son retour à New York en 1956, Flavin fréquente brièvement la Hans Hofmann School of Fine Arts et étudie l'art auprès d'Albert Urban. Il a ensuite étudié l'histoire de l'art pendant une courte période à la New School for Social Research, puis est passé à l'Université de Columbia, où il a étudié la peinture et le dessin.[5]
À partir de 1959, Flavin a été brièvement employé comme commis de la salle du courrier au musée Guggenheim et plus tard comme gardien et opérateur d'ascenseur au musée d'art moderne, où il a rencontré Sol LeWitt, Lucy Lippard et Robert Ryman.[6] Deux ans plus tard, il épousa sa première femme Sonja Severdija, étudiante en histoire de l'art à l'Université de New York et directrice adjointe du bureau du Museum of Modern Art[7]. Le frère jumeau de Flavin, David, est décédé en 1962.[8]
Flavin a épousé sa seconde épouse, l'artiste Tracy Harris, lors d'une cérémonie au musée Guggenheim, en 1992.[9]
Flavin est décédé à Riverhead, New York, des complications du diabète.[10] Un mémorial pour lui a eu lieu au Dia Center for the Arts, le 23 janvier 1997. Les conférenciers comprenaient Brydon Smith, conservateur de l'art du 20e siècle au Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa; Fariha Friedrich, administratrice de Dia, et Michael Venezia, artiste.[11]
La succession de l'artiste est représentée par David Zwirner, New York.
Travail précoce
Les premières œuvres de Flavin étaient des dessins et des peintures qui reflétaient l'influence de l'expressionnisme abstrait. En 1959, il a commencé à faire des assemblages et des collages de techniques mixtes qui comprenaient des objets trouvés dans les rues, en particulier des boîtes de conserve écrasées.[12][13]
À l'été 1961, alors qu'il travaillait comme gardien au Musée américain d'histoire naturelle de New York, Flavin a commencé à faire des croquis de sculptures qui incorporaient des lumières électriques.[14] Les premières œuvres à incorporer de la lumière électrique ont été sa série "Icons" : huit constructions carrées peu profondes et colorées en forme de boîte, fabriquées à partir de divers matériaux tels que le bois, le formica ou la masonite. Construits par l'artiste et son épouse de l'époque, Sonja[15], les Icons avaient des tubes fluorescents avec des ampoules à incandescence et fluorescentes fixées sur leurs côtés, et parfois des bords biseautés. L'une de ces icônes était dédiée au frère jumeau de Flavin, David, décédé de la polio en 1962.
La Diagonale de l'extase personnelle (la Diagonale du 25 mai 1963), un fluo jaune placé sur un mur à un angle de 45 degrés par rapport au sol et achevé en 1963, fut la première œuvre de maturité de Flavin ; il est dédié à Constantin Brâncu\u0219i et marque le début de l'utilisation exclusive par Flavin de la lumière fluorescente disponible dans le commerce comme médium. Un peu plus tard, The Nominal Three (to William of Ockham) (1963) se compose de six tubes fluorescents verticaux sur un mur, un à gauche, deux au centre, trois à droite, tous émettant une lumière blanche.[18] Il s'est limité à une palette limitée (rouge, bleu, vert, rose, jaune, ultraviolet et quatre blancs différents[19]) et à une forme (tubes droits de deux, quatre, six et huit pieds, et, en commençant en 1972, cercles).[20] Dans les décennies qui ont suivi, il a continué à utiliser des structures fluorescentes pour explorer la couleur, la lumière et l'espace sculptural, dans des œuvres qui remplissaient les intérieurs de galeries. Il a commencé à rejeter la production en studio en faveur de \u201csituations\u201d ou de \u201cpropositions\u201d spécifiques au site (comme l'artiste préférait classer son travail).[21] Ces structures projettent à la fois de la lumière et une teinte étrangement colorée, tout en prenant diverses formes, notamment des « pièces d'angle », des « barrières » et des « couloirs ». La plupart des œuvres de Flavin étaient sans titre, suivies d'une dédicace entre parenthèses à des amis, artistes, critiques et autres : les plus célèbres d'entre elles sont ses Monuments à V. Tatline, un hommage au sculpteur constructiviste russe Vladimir Tatline, une série d'un total d'une cinquantaine de pièces murales pyramidales[22] sur lesquelles il a continué à travailler entre 1964 et 1990.
Flavin a réalisé sa première installation complète, greens crossing greens (à Piet Mondrian qui manquait de vert), pour une exposition au Van Abbemuseum, Eindhoven, Pays-Bas, en 1966.[23] Les "couloirs" de Flavin, par exemple, contrôlent et entravent le mouvement du spectateur dans l'espace de la galerie. Ils prennent des formes diverses : certains sont coupés en deux par deux rangées dos à dos de luminaires aboutés, un diviseur qui peut être approché de part et d'autre mais non pénétré (la couleur des lampes diffère d'un côté à l'autre). Le premier de ces couloirs, sans titre (à Jan et Ron Greenberg), a été construit pour une exposition solo de 1973 au St. Louis Art Museum et est dédié à un galeriste local et à sa femme. Il est vert et jaune ; un espace (la largeur d'un seul appareil "manquant") révèle la lueur de la couleur au-delà de la division. Dans les couloirs barrés suivants, Flavin introduirait un espacement régulier entre les luminaires individuels, augmentant ainsi la visibilité de la lumière et permettant aux couleurs de se mélanger.[24]
En 1968, Flavin avait développé ses sculptures en environnements lumineux de la taille d'une pièce. Cette année-là, il a dessiné une galerie entière en lumière ultraviolette à la documenta 4 à Kassel, en Allemagne. En 1992, la conception originale de Flavin pour une pièce de 1971 a été entièrement réalisée dans une installation in situ qui a rempli toute la rotonde du musée Solomon R. Guggenheim à l'occasion de la réouverture du musée.
Flavin concevait généralement ses sculptures en éditions de trois ou cinq, mais attendait pour créer des œuvres individuelles jusqu'à ce qu'elles soient vendues pour éviter des coûts de production et de stockage inutiles. Jusqu'au point de vente, ses sculptures existaient sous forme de dessins ou de copies d'exposition. En conséquence, l'artiste a laissé plus de 1,000 1996 sculptures non réalisées à sa mort en 25.[XNUMX]
Installations permanentes
À partir de 1975, Flavin installe des œuvres permanentes en Europe et aux États-Unis, dont « Sans titre. En mémoire d'Urs Graf » au Kunstmuseum de Bâle (conçue en 1972, réalisée en 1975) ;[26] au Kröller-Müller Museum, Otterlo, Pays-Bas (1977 ); Musée de la rivière Hudson, Yonkers, New York (1979); Palais de justice des États-Unis, Anchorage, Alaska (1979\u201389); la Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Allemagne (1989) ; le hall du MetroTech Center (avec Skidmore, Owings & Merrill), Brooklyn, New York (1992) ; sept lampadaires à l'extérieur de la Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (1994) ; Hypovereinsbank, Munich (1995) ; Institut Arbeit und Technik/Wissenschaftspark, Gelsenkirchen, Allemagne (1996) ; et Union Bank of Switzerland, Berne (1996). Des sites supplémentaires pour les interventions architecturales de Flavin sont devenus la Grand Central Station à New York (201), la Hamburger Bahnhof à Berlin (201) et la Chinati Foundation à Marfa, Texas (1976). Son travail à grande échelle en lumière fluorescente colorée pour six bâtiments de la Fondation Chinati a été lancé au début des années 1996, bien que les plans définitifs n'aient été achevés qu'en 2000.[1980] Sa dernière œuvre d'art était une œuvre in situ à Santa Maria Annunciata à Chiesa Rossa, Milan, Italie. L'église des années 1996 a été conçue par Giovanni Muzio. La conception de la pièce a été achevée deux jours avant la mort de Flavin le 27 novembre 1930. Son installation a été achevée un an plus tard avec l'aide du Dia Center for the Arts et de la Fondazione Prada.[29]
La collection Menil à Houston, au Texas, déclare qu'en 1990, Dominique de Menil a approché Flavin pour créer une installation permanente et spécifique au site à Richmond Hall. Deux jours seulement avant sa mort en novembre 1996, Flavin a terminé la conception de l'espace. L'atelier de l'artiste a terminé le travail.[29]
Dessin
Vivant à Wainscott and Garrison, Flavin a souvent dessiné le paysage environnant, que ce soit la vallée de l'Hudson ou les eaux au large de Long Island. Il créa également de petits portraits et conserva une vingtaine de volumes de journaux. Flavin a également collectionné des dessins, notamment des œuvres d'artistes de l'Hudson River School comme John Frederick Kensett, Jasper Francis Cropsey et Sanford Robinson Gifford, ainsi que des exemples d'œuvres sur papier d'artistes japonais du début du XIXe siècle comme Hokusai et de maîtres européens du XXe siècle comme Piet Mondrian et George Grosz. Flavin a également échangé des œuvres avec des collègues minimalistes comme Donald Judd et Sol LeWitt.[20]
Exhibitions
La première exposition personnelle de Flavin utilisant uniquement de la lumière fluorescente a ouvert ses portes à la Green Gallery en 1964. Deux ans plus tard, sa première exposition européenne s'est ouverte à la galerie de Rudolf Zwirner à Cologne, en Allemagne. La première grande rétrospective de l'œuvre de Flavin est organisée par le Musée des beaux-arts du Canada, à Ottawa, en 1969. En 1973, le Saint Louis Art Museum présente des expositions simultanées de ses œuvres sur papier et sculptures fluorescentes. Parmi les nombreuses expositions personnelles significatives de Flavin en Europe figurent des expositions au Kunstmuseum Basel et à la Kunsthalle Basel (1975), à la Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden (1989) et au Städel, Frankfurt (1993).
À la fin des années 1970, il a commencé un partenariat avec la Dia Art Foundation qui a abouti à la réalisation de plusieurs installations permanentes in situ et a conduit plus récemment à l'organisation de l'exposition itinérante, Dan Flavin: A Retrospective (2004\u20132007).[ 31] L'exposition rétrospective de Flavin a voyagé au Museum of Contemporary Art, Chicago; la National Gallery of Art, Washington, DC; le Musée d'Art Moderne, Fort Worth, Texas ; Hayward Gallery, Londres; Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris ; Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Pinakothek der Moderne, Munich ; et le musée d'art du comté de Los Angeles, Los Angeles.[32][33] Cette exposition était la première rétrospective complète consacrée à son œuvre minimaliste. L'exposition comprenait près de 45 œuvres lumineuses, dont sa série « icônes ». La présentation du MCA comprenait la recréation de la salle alternée rose et « or » de l'exposition originale du MCA en 1967, la première exposition solo de Flavin au musée.[34]
Sa première exposition personnelle en Amérique latine a eu lieu à la Fundación Proa, Buenos Aires, en 1998, organisée avec la Dia Art Foundation (Dan Flavin. 1933-96).
Reconnaissance
En 1964, Flavin a reçu un prix de la William and Norma Copley Foundation, Chicago, avec une recommandation de Marcel Duchamp.[35] En 1973, il a été nommé professeur invité Albert Dorne à l'Université de Bridgeport, Connecticut, et en 1976, il a reçu la médaille Skowhegan de sculpture de la Skowhegan School of Painting and Sculpture, Maine.
En 1983, le Dia Center for the Arts a ouvert le Dan Flavin Art Institute à Bridgehampton, New York, une exposition permanente de ses œuvres, conçue par l'artiste dans une caserne de pompiers reconvertie[36] qui a ensuite servi d'église afro-américaine à partir de 1924. jusqu'au milieu des années 201970.[37] Flavin a travaillé en étroite collaboration avec l'architecte Richard Gluckman et Jim Schaeufele, directeur des opérations de Dia\u2019s, sur la rénovation et la conception.[38] Ici, les œuvres de Flavin sont exposées dans des « pièces sans fenêtres ou ayant un rapport indirect avec son environnement extérieur ». ainsi qu'un dessin d'icône, hors exposition temporaire, dédié à son frère jumeau, David John.[39]
Dans le film Tower Heist de 2011, la succession de Dan Flavin a envoyé un expert pour superviser la construction d'une installation lumineuse de Flavin qui a été recréée sur le plateau.[41]
En 2017, le galeriste Vito Schnabel a annoncé une collaboration avec la succession de Dan Flavin. Schnabel s'associe au fils de l'artiste, Stephen Flavin, pour présenter les sculptures lumineuses du minimaliste aux côtés d'œuvres de céramistes européens admirées et collectionnées par son père. L'exposition, organisée par Stephen Flavin, marque la première fois que ces œuvres de la succession de Dan Flavin sont exposées côte à côte.[42]
Réception
En 2004, Ridinghouse et Thames & Hudson ont publié It Is What It Is : Dan Flavin Since 1964, qui rassemble pour la première fois des essais clés sur Flavin et des critiques de ses expositions. S'étalant sur quatre décennies, il retrace l'évolution progressive du consensus sur le sens de son art. Edité par Paula Feldman et Karsten Schubert, It Is What It Is comprend des textes de certains des historiens et critiques d'art les plus influents d'aujourd'hui, tels que Donald Judd, Dore Ashton, Rosalind Krauss, Lawrence Alloway, Germano Celant, Holland Cotter.[43 ] En 2010, les artistes Cindy Hinant et Nicolas Guagnini ont créé le livre FLAV qui rassemble des textes d'archives primaires et de la correspondance de et à propos de Dan Flavin pour créer un récit sur la personnalité de l'artiste qui n'est pas absent de l'œuvre comme le suggèrent les déclarations de Flavin comme « Il est ce que c'est, et ce n'est rien d'autre... Tout est clairement, ouvertement, clairement livré."
Marché de l'art
Chacune des plus de 750 sculptures lumineuses que Dan Flavin a conçues - généralement en éditions de trois ou cinq - ont été répertoriées sur des fiches et classées. Lors de la vente, l'acheteur recevait un certificat contenant un schéma de l'œuvre, son titre ainsi que la signature et le cachet de l'artiste. Si quelqu'un se présentait avec un certificat et un appareil endommagé, Flavin le remplacerait.[46]
En 2004, l'œuvre de Flavin Untitled ("monument" pour V. Tatlin) (1964\u20131965) a été vendue 735,500 XNUMX $ chez Christie's, New York.
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